viernes, 17 de noviembre de 2017

Fallece Michael “DikMik” Davies de los Hawkwind

DikMik
El 16 de noviembre de 2017 fallecía Michael “DikMik” Davies quien fuera teclista de los Hawkind desde su inicios hasta 1973. Nacido en 1943, en Richmond, Surrey (UK), fue un pionero de la música electrónica con el uso de sintetizadores. Por el momento se desconocen las causas de su fallecimiento. La banda Hawkwind escribió en su página de Facebook: "Estamos muy tristes por hacerle saber que nuestro viejo amigo y compañero de banda DikMik. Será amado y recordado por sus innovadoras contribuciones no solo a Hawkwind, sino a todo un género musical del que fue un importante pionero".

En 1969, Davies y Nik Turner entraron a formar parte de la banda como roadies para el grupo que Dave Brock (voz, guitarra), un amigo de infancia, había formado con el también guitarrista Mick Slattery, el bajista John Harrison más el baterista Terry Ollis.  El grupo original se llamaba Famous Cure.  Antes de su primer concierto ya se hizo cargo de los teclados y Turner del saxo alto más percusión.  Durante una actuación en el All Saints Hall de Notting Hill, Londres, donde tocaron sin nombre, bajo el seudónimo de Group X, un locutor de la BBC Radio 1, John Peel, quedó impresionado por la versión del tema de The Byrds, “Eight miles high”. Tras una entrevista con el organizador Douglas Smith el grupo consiguió un contrato con Liberty Records, y pasó a llamarse Hawkwind.

Hawkwind
Para el debut homónimo de 1970, Slattery había sido reemplazado por Huw Lloyd Langton. Un año después, Davies dejó la banda después de un accidente automovilístico y fue reemplazado por el ingeniero de sonido, Del Dettmar, aunque regresó a tiempo para su segundo disco “X In Search Of Space” (1971).  Cuando el bajista Dave Anderson no apareció para un concierto, entró a formar parte de la banda Lemmy Kilmister. Davies estuvo en el grupo un disco más “Doremi Fasol Latido” (1972) y dejó la banda en 1973.

Documento sonoro: 

Sesión de los Hawkwind para John Peel en 1970.  


Fallece el cantautor Wabi Daněk

Stanislav Jan "Wabi" Daněk nació el 30 de enero de 1947 en Zlín, región de Moravia (por entonces  Checoslovaquia) y falleció el 16 de noviembre de 2017. Guitarrista, cantante y compositor de folk grasbó varios discos de folk country y pop desde los ochenta. Su canción más conocida es “Rosa Na Kolejích” incluida en su primer disco de 1983 aunque fue compuesta en los setenta e interpretada con un grupo llamado Rosa. El tema habla de los sentimientos de un vagabundo.  

Hijo de músicos, trabajo de varios oficios como cerrajero, soldador, empleado de gas licuado y la más larga como conductor de ambulancias. También colaboró ​​con músicos como Miki Ryvola, Captain Kid o Pacific. En los años setenta actuó con Plížák y Vojta Kiďák Tomášek. El apodo de Wabi le viene por el músico Wabiho Ryvoly, cuyas canciones tocó durante su juventud con sus amigos. En 1984 sacó su primer disco “Rosa Na Kolejích (Písničky Wabi Daňka)”. Una de sus canciones más famosas, “Rosa”, la compuso en la década de 1970 y en 1974 ganó el segundo lugar en el popular concurso checo de folk, Porta que se celebra en Svitavy.   

Tocó también con el grupo Roso, que era un acrónimo de su sección de Rover’s Scout.  El texto se inspira en la carta del jefe indio Seattle de la tribu Suwamish dirigida al presidente de los Estados Unidos, Franklin Pierce, como respuesta a la oferta de 1854 para comprarle los territorios que hoy forman el Estado de Washington. Entre otras cosas, el Jefe Indio le dice: “¿Cómo se puede comprar o vender el cielo o el calor de la tierra?. Si nadie puede poseer la frescura del viento ni el fulgor del agua, ¿cómo es posible que usted se proponga comprarlos?.  La canción de Wabi habla de los sentimientos de un vagabundo que descubre el mundo por las estaciones de ferrocarril. Sacó otros discos como “Vítr” (1986), “Pískoviště” ‎(1996), “Valašský Drtivý Styl” ‎(1999),  “Nech Svět, Ať Se Točí Dál” ‎(2002), “A Život Běží Dál” ‎(2009),  “Wabi A Ďáblovo Stádo” ‎(2012) y también con Ďáblovo Stádo, “Příběhy Písní” ‎(2014)

Desde 1985 vivía en Praga. Tuvo cuatro hijos de dos matrimonios.  Debido a problemas de salud, canceló todos los conciertos en el verano de 2017.  Murió el 16 de noviembre de 2017  después de una larga enfermedad. 

Documento sonoro: 

 “Rosa Na Kolejích" de Wabi Daněk




jueves, 16 de noviembre de 2017

Oskar Benas, un artista polifacético con excelentes creaciones de rock instrumental que invitan a la sinestesia

Portada de OBIC
Si en Magic Pop fuéramos estrictamente consecuentes, al menos  profesionalmente, con todo lo que hemos oído y visto sobre la magna obra audiovisual de Oskar Benas,  no escribiríamos  sobre otra cosa en los próximos meses, quizás años. Puede que incluso nos decidiéramos por cambiar directamente el nombre de cabecera del blog para rebautizarnos con el de este artista polifacético, músico e lustrador, de Barakaldo.  La razón de tan justificable entusiasmo estriba en que resulta ciertamente espectacular la cantidad de producción propia, altamente original y revolucionaria, que ha creado en los últimos tiempos este genial músico, compositor e intérprete, también pintor e ilustrador. Desde los años noventa hasta la actualidad, ha dado vida a una infinidad de melodías tan absolutamente sorprendentes e imprevisibles, con arreglos deslumbrantes y tempos de otro mundo,  que, al menos en mi caso, me ha despertado no solo la esperanza de que hay algo sustancial más allá, ya no de ese negocio discográfico tan consumista como mediocre, sino incluso del “underground” de fin de semana que, en algunos casos, ya empieza a cansar con sus verdades supuestamente absolutas. Oskar Benas no es el único pero si uno de los pocos, cada vez menos, maestros verdaderamente humildes capaz de reírse hasta de si mismo. Auténticos dioses del olimpo vanguardista que resisten al margen del mercadeo de ideas y musiquillas. Presiden un altar al que se llega sin necesidad de recurrir a postureos sin sentido, sino simplemente a base de canciones fascinantes como las suyas, locuras si quieres pero altamente enriquecedoras.  Prueba de ello es el nuevo disco que firma como Oskar Benas Instro Combo "Obic”, una de sus tantas genialidades como lo es también la nueva entrega, la décima, de su proyecto Mundssik con el nombre genérico de  “Esfera Púrpura”.  Prepárense porque sus trabajos musicales no son algo insustancial que pueda reseñarse con cuatro adjetivos y algunas frases recurrentes de periodista enrollado que escribe sobre discos en plan colegueo. Su obra es única e intransferible, y como tal voy a reseñarla para aproximarnos, aunque sea un poco, a su inabarcable y fascinante mundo creativo.
             
Trayectoria
Oskar Benas. Foto de su Facebook

Oskar Benas (Barakaldo 1975) es un artista polifacético, gráfico y musical, fundador de numerosas bandas de la escena vasca desde principios de los años noventa como Dickzis, Mongui Infusion, Symbium Pandora, Planeta Enfermo, La Bemba Blanch, Zainax,  así como partícipe y colaborador con otras tantas formaciones en la década de los dosmiles como Ziza Teh, Maumousse, L'Ombre Raya, The Solanos, Fishotz Ruido, Benitt Ash. Fue galardonado como el mejor guitarrista durante la edición del Pop Rock Villa de Bilbao en 2009, al actuar con  su grupo de por entonces Trainsalpine Boys. Además ha formado parte de las bandas de directo de otros grandes como Fermin Muguruza, Maika Makovski o Cabezafuego. En su trayectoria ha creado varios sellos para sacar sus intensos trabajos musicales y gráficos. Desde 2015, Lau Shedu es la denominación que edita sus creaciones.


Oskar Benas con el ruan
Con  los Vampiros del Ritmo graba “Vida Vierte Muda Muerte” en 2012. Le acompañan  David Martínez a la batería, JC  Luque al bajo y Joseba Baleztena a la guitarra, banjo y coros. Ese mismo año graba en directo en el centre Collblanc Torrasa de L'Hospitalet de Llobregat, durante las sesiones Pocket Concerts organizadas por Bad Music 2.0, un híbrido de los Benitt Ash y Los Vampiros del Ritmo.  También en 2012 ve la luz otro trabajo con ilustraciones propias “La gran Isla de Creto” con la colaboración de Tuca Lóbez.  Le sigue un acústico en directo en Mikelazulo (Orereta) el 13 de enero de 2013 donde toca por vez primera varias canciones que aparecerían en las siguientes entregas discográficas.  En 2013 salen “Saffari” y “Paganus” compilado instrumental. Al año siguiente nos ofrece “Zarco”  y “Hereje del Mar” con  grabaciones en diversos locales entre 2012 y 2015. Ya en 2015 y como Oskar Benas  y los herejes Instro Combo sigue sorprendiéndonos con temas instrumentales variados, sensuales  y misteriosos. Con el título de “OBYLHIC”  se grabó durante el verano de 2015 en los estudios Color Hits de Atarrabia, Navarra, producido por el propio Oskar Benas con la ayuda de Íñigo Garcés. Le acompañan Dafnis Leenares al bajo, Leesergio Patxuko a la batería, mientras que Oskar se hace cargo de la guitarra, bajo, banjo, teclado, percusión, y programaciones.  Le siguen en 2016 los discos  “El sendero del volcán con lago”, crónica sonora de una aventura en el núcleo, y “Corazón de serrucho”.

Por lo que respecta a las Series Mundssik, arrancan con sus actuaciones  en vivo con el proyecto audiovisual Kaiula Ikuskizuna (2003 – 2006), una propuesta de música instrumental  de vocación mística con imágenes misteriosas de viajes. Para ello toca un Ruan, que es un instrumento tradicional chino adquirido durante una viaje a Beijing, un banjo con afinaciones especiales, entre otros instrumentos y objetos. Todos los volúmenes de este viaje, que él mismo define como “orgánico, hondo y mutante” se encuentran en descarga totalmente gratuita en la página bandcamp del artista.  

Es necesario también mencionar que Oskar Benas es autor de la banda sonora de numerosos cortometrajes y documentales (“Fractura, la maldicion de los recursos”, “M.O. Lope”, “El Anchoa, el terror de El Pardo”, “Pequeño”, “15 dias en Agosto”, “El Coito te nubla”...), así como de espectáculos de danza y teatro (Mugainditzen, Kaiula Ikuskizuna, Absenta...) y pintura en directo (Cándida, Konvent punt-0, Quim Moya...). 

Dibujo de Oskar Benas
Su trabajo como ilustrador destaca por aportaciones a fanzines (Estrehiato Lisdexio, “Sueño en vigilia”) hasta cartelería y portadas para bandas de rock (Capsula, Maika Makovski, Sex Museum, Guadalupe Plata, Travellin Brothers, Pelomono, Peachy Joke, Cabezafuego, Rubia, Lobo Eléctrico, Patxuko Nice, Lemy River, Boogie Van, El Octavo Árbol, Esne Beltza, Lurra, Sagarroi, Trainsalpine Boys, Kòdul, Emon, Noa Voll Damn & The Hell Drinkers...), entre otras muchas muestras de su talento en la decoración de espacios y murales, sin olvidar su participación en  festivales de autoedición como Tenderete, Pumpk, Ilustrapados y sus aclamadas exposiciones de pintura y dibujo.

De este modo llegamos al disco que queremos presentarte:  “OBIC” (Oscar Benas Instro Combo)  grabado en agosto de 2017 con su principal factótum a la guitarra, bajo, batería, percusión, teclados, programaciones y ruidos varios; Daf Linares al bajo (Lolas Club, The Fans, Patxuko Nice) y Javier Vallejo a la batería y percusiones (Los Nerviosos, Sundance Kiz, Espaguetti).  Actualmente, en su formación se reparten la percusión el mencionado Javi Vallejo y Quique Gallo (Aullido Atómico).

Las canciones de OBIC
 
Oskar Benas y su combo. Foto de su facebook

El disco se abre con “Soc Horror”, y sus guitarras oscuras, percutiendo en los sentidos, acompañadas por efectos espaciales, generando una atmósfera a ritmo de huesos, palmas, en un juego melódico sobre un colchón reconfortante de teclados y pulsación de bajo dando forma a recursos  atmosféricos.  Le sigue “Pericolossus”, otra construcción enigmática de guitarra diseñando fraseos misteriosos, entre acordes aflamencados, golpes de efecto surfer, y variaciones enigmáticas que te hipnotizarán. El siguiente corte es “Carrera Azarosa”, con ritmos de rockabilly desquiciado como base para una guitarra alocada que viaja por el espacio entre sonidos que se nos antojan extraterrestres. Una amalgama de sensaciones  propia de la banda sonora de una película de culto de ciencia ficción.  A continuación nos ofrece “Golpe Swinger”, brillante desparrame de folklore americano con detalles de bluegrass procedentes de la hierba azul pero de otra galaxia, entre divertidos juegos  de percusión que te envolverán mediante caprichosos juegos melódicos y rítmicos.

Ya en el meridiano del álbum, “Azote” es un combinado de esquemas krautrock y rockabilly desbocado logrando una exhibición de habilidades instrumentales compenetradas de forma minuciosa, con solo lisérgico de guitarra embebida de efectos ácidos y cambios sorprendentes procurando concepciones  rítmicas inusuales.  Le sucede “Cuerpos de Inseguridad”, poco más de un minuto y medio para definir este desparrame de genialidades instro, a base de guitarra habilidosa.  Sonoridades recónditas, embebidas de locura infantil, proyectadas hacia un espacio inimaginable, con o sin cojones. De este modo aparece “Ilusión Pasajera”, un tema que arranca introspectivo por el registro bajo de la guitarra al que se incorpora una suculenta sección rítmica bailable y un obsesivo teclado sobre el que la eléctrica, dotada de una perturbadora  forma de gemir,  se entrelaza con efectos electrónicos y secuencias rítmicas muy atractivas.     

Oskar benas y su combo en directo. Foto Marta Gil

Llegados a este punto, cruzamos  el “Puente Rojo”, un espacio sonoro único, trascendental, en el que tempo y melodía avanzan al unísono creando un curioso corte de blues ancestral que transmite,  a la par, un poder ecléctico interestelar.  Órgano, guitarras, bajo, y percusión siguen imperturbables su camino iniciático con una idiosincrasia impactante hasta el final de los días diseñando una canción ciertamente estremecedora.  Vamos finalizando con “Urgerla”, otra exquisitez sin parangón alguno que arranca con batería marcando el paso con extrema seguridad para que se incorpore una poderosa y desafiante guitarra que frasea con determinación entre efectos varios procurando una melodía aguerrida repleta de momentos fieros en los que se explaya con enorme destreza. Una seguridad manifiesta respaldada por un imaginativo bajo y una imperturbable batería. Juntos definen una fase más de este sensacional banda sonora imaginaria que se cierra con “Matahari”, un final de órdago en el que destaca  por su ciclo definido  mediante recursos ágiles entre guitarras ingeniosas más una sección lisérgica solemne y onírica que completa esta amalgama de momentos cautivadores que hemos vivido al detalle  a lo largo de todas y cada una de sus fascinantes canciones.    

Reflexión final

El universo creativo de Oskar Benas va más allá de los confines conocidos y se expande al margen de ámbitos previsibles defendidos equivocadamente por aquellos que se obstinan en afirmar que, en el ámbito vanguardista, los medios técnicos son el único mensaje que nos permite evolucionar. Nada más lejos de ese consumismo insustancial tan consecuente con lo último de lo último, ese panorama mal llamado independiente sobre el que teorizan fantoches imberbes que se creen  semidioses.  En su caso, las canciones se disponen con valores melódicos originales, enraizados en la tradición pero que nos resultan mucho más novedosos que cualquier avance tecnológico por muy revulsivo que pueda parecer. En sus espectaculares temas se suma una visión mística del caos con una experimentación sensual del cosmos. El resultado son auténticas obras de arte que invitan a la sinestesia, en las que la destreza instrumental procrea sensaciones emotivas profundas, pura poesía instrumental que se incorporará con una facilidad y una empatía pasmosa a la banda sonora existencial y cotidiana de cualquier amante de la música que se precie. Su obra, con sus luces y sus sombras, es una fuente inagotable de conocimiento, generadora de emociones y fundamento de relaciones interpersonales imperturbables y eternas.  No hacerle caso se nos antoja  una estupidez propia de estos tiempos mediocres en los que cuenta más el parecerse a que el ser únicos con todas sus consecuencias y riesgos.    

Nota: Puedes disfrutar de su trayectoria escuchando todas sus producciones en el bandcamp. Sigue en facebook sus próximas actuaciones.

martes, 14 de noviembre de 2017

Muere la cantante Janis Hansen de Brasil’66

Janis Hansen
Janis Sue Hansen Klinger nació el 10 de octubre de 1942 en Great Falls (Montana) y falleció el 4 de octubre de 2017 en su casa de Sherman Oaks, (California), después de sufrir mielofibrosis y leucemia mieloide aguda.  Será recordada por cantar  algunos de los mayores éxitos de Sergio Mendes con Brasil’66, entre otras formaciones de pop como Going Thing y Carnival. 

Hansen  creció en el rancho de sus abuelos sin electricidad ni agua corriente en Absarokee, Montana. Hija de músico, mientras estudiaba antropología en la Universidad de Colorado, comenzó a cantar en bandas locales.  Un cazatalentos escuchó su voz y la recomendó para The Andy Williams Show, donde se convirtió en una habitual en la banda del programa. Se unió a Sergio Mendes y su proyecto Brasil '66 donde buscaba una nueva voz para reemplazar a Bibi Vogel. 

Sergio Mendes y Brasil'66
Hansen estuvo con Brasil '66 en dos discos “Equinox”  (1967) y “Look Around” (1968) y se la puede escuchar cantando el tema principal “The Look of Love” (1968). Después se unió al grupo Going Thing, formado por los miembros de Love Generation, los hermanos John y Tom Bahler. Trabajaron para la Ford en convenciones más la grabación de tres álbumes regalados en los concesionarios.  Contaron con vocalistas como Mitch Gordon, Wes Oldaker, Jacie Berry, Susan Teague, y el guitarrista Larry Carlton. 

También formó parte del grupo Carnival con José Soares y el miembro de Murmaid Terry Fischer más el bajista Tommy Neal. Fueron producidos por  Bones Howe (Assiciation, 5th  Dimensión). Grabaron algunos singles sin apenas éxito con los temas "Son of a Preacher Man", Walk On By", más “Laia Ladaia" y "Canto Carnival". Después de que los dos grupos se disolvieran, ella se retiró de la música.

Janis llegó a ser vicepresidenta de RDK Productions y ayudó a desarrollar la serie de libros The Bible Adventure Club. 

Docunento sonoro:

"The Look of Love" de Brasil'66 cantada por Janis Hansen, tema de Burt Bacharach y Hal David

lunes, 13 de noviembre de 2017

Los Summers te ayudarán a ser feliz con su nuevo Ep aunque este pasado verano hayas hecho crack

Portada del 7"
Coincidiréis conmigo que resulta impensable un verano sin una banda sonora ad hoc; pero no a base de canciones monótonas y previsibles, con arreglos machacones y tonadillas insulsas, que se refieran, de cualquier forma y sin apenas criterio, a las reacciones insustanciales derivadas del calor y el consumismo playero. Más bien estoy pensando en reconfortantes composiciones veraniegas como las que nos ofrecen Los Summers: temas originales que resultan de  cautivadoras combinaciones rítmicas y melódicas de punk pop más letras divertidas que inciden en tu imaginación para fortalecer tu autoestima al tiempo que fomentan el siempre necesario buen humor que consigue hacer más llevadera la realidad cotidiana. El irredento sello Tualmonteyoalmar les ha sacado un nuevo single con cuatro demoledores cortes que harán estallar tu cabeza de emociones, aplacarán tus preocupaciones y te darán unos cuantos buenos motivos para seguir luchando.   

Trayectoria 

Los Summers. Foto de su facebook
Los Summers se crean en Almería a finales de 2006 con los guitarristas y cantantes Francis y Juancho de Johnny Betadine más Anibal y Oscar, batería y bajista de Los Bikini Lovers y Los Aeropatines del Espacio Exterior. Grabaron su primera maqueta en los Estudios El Molino de Almería. Suenan a menudo en el programa Flor de Pasión de Juan de Pablos y tras otra maqueta,  debutan en 2008 con Flor y Nata Records y el álbum “La Chica de cada verano” grabado por Juantxo (bajo y voz), Francis (guitarra, casiotone y voz), Oscar (guitarra) y Anibal (batería y coros). Un disco con divertida portada sixties con su SEAT 600 matrícula de Almería, que contiene  15 temas de punk pop como “Que vuelva el verano”, “Impuntual”, “No volverte a ver”, “Marta” o “No vuelvo al lago Ness”. También componen y graban la banda sonora de una serie para Internet llamada “Tú, antes molabas”.

Los Summers. Foto de su facebook 
Dos años después  sacan un disco llamado “Vuelven Los Summers” (Clifford 2010) que  contiene 16 grandes temas rabiosos, divertidos, ágiles, frescos que abrazan el powerpop melódico o aceleran la new wave para conseguir un producto propio que les ha llevado a ser muy conocidos hasta en el Japón donde son unos grandes conocedores del estilo. Todos los temas de ese segundo Lp son originales menos ‘Despeinado’ de Palito Ortega y ‘Seré luchador mejicano por ti’ de los Motorettas. Se grabó en los estudios Pause de Almería, producido por Manuel Alcaraz y Los Summers.     

Los Summers. Foto de su facebook
También cabe mencionar que desde 2007 han grabado por Navidad canciones alusivas a esas fechas como "Ocurrió en Navidad", a la que siguió en 2008 "Mi Regalo de Navidad",  "El Twist de Navidad" de 2009 y "Canción Triste de Navidad" más "Vals de navidad" en 2010.  En 2013 grababan un nuevo Ep producido por Jonathan Leandro Ramírez y masterizado en Producciones Peligrosas. Se titula “El fin de los amores del verano” y fue editado por Clifford records  (+ info).   Francis y Anibal forman parte también de los Monumentales (+ info). 
Este nuevo Ep fue grabado por Aníbal Ortíz a la batería y voz; Juancho Rodríguez al bajo y voz; y Francis Aguilar a la guitarra y voz. Fue producido en enero de 2017 por Jonathan Ramírez y los Summers en Estudio Villalobos (Almería). El sensacional diseño de portada, con esa cabeza estallando en mil sensaciones, y de la contraportada con esa sombrilla clavada en el corazón entre llamas estivales es de Ámina Pallarés. 
 
Las canciones

Los Summers. Foto de su facebook
“El verano que hice crack, no quiero recordar afectaría mi salud mental maldito verano
En la cara A nos ofrecen “El verano que hice crack”, un tema en el que la banda nos cuenta cómo de mal lo pasó el protagonista, entre recuerdos estremecedores de un maldito verano que llegar a afectar su salud mental. Magnífica melodía de punk con matices pop entre sabrosas guitarras medidas a ritmo bien calibrado de bajo y batería. Los arreglos  acompañan con agilidad a la voz principal en su periplo de desgranar la canción en secuencias vibrantes que estallan a lo grande en el conmovedor estribillo. Cierra la cara “Módulo de aprendizaje”, una petición en todo regla para interpretar las señales de amor, con el propósito loable de que te ayuden a ser feliz.   Solo de guitarra incluido, el tema destaca por su garra que logra atraparte de principio a fin mediante andanadas precisas y envolventes a tempo tan ligero como absorbente. 


Los Summers. Foto de su facebook
En la cara B oímos “Demonios”, otra invitación personalizada para analizar tu relación con el entorno mediante guitarras ardientes, voces entregadas a materializar el averno del rock and roll con un tempo que te freirá las plantas de los pies. “Me arrepiento de todos mis movimientos de mi corazón” nos cuentan en esta maravillosa combinación sonora de la voz principal con los coros de punk doo wop. Acaba el disco con “Si tú lo supieras”, otra elegante canción de desamor en la que su protagonista no sabe quién la quiere de verdad y anda con tipos que no la merecen. Otra demostración irreprochable de talento a cargo de estos Summers especialistas indiscutibles en dar vida a canciones emotivas que invitan al baile desenfrenado.   

Reflexión final

Los Summers. Foto de su facebook
Puede parecer tarea fácil pero no resulta sencillo conseguir canciones tan encantadoras y contagiosas como éstas que los Summers nos ofrecen con una manifiesta habilidad para llegarnos al corazón. Pese a mantener los parámetros conocidos del punk pop y hablando de desamor como recurso interpersonal recurrente, disco tras disco resultan sumamente seductores y en este Ep  editado por el sello vigués  Tualmonteyoalmar nos conquistan una vez más con las mejores formas posibles. Los cuatro temas de este espléndido Ep se suman a la ingente discografía de esta formación almeriense con más de una década de trayectoria durante la que han aportado innumerables canciones bonitas para la banda sonora ideal del verano.

Momentos creativos propios para regocijo de todos aquellos que nos mantenemos al margen de cursilerías varias pregonadas indecentemente por los mass media. Desde la humildad y con perseverancia irreductible, su propósito principal no es otro que el de gratificarte con ritmos rápidos y melodías enternecedoras que, como poco, y tal como cuentan en una de sus creaciones, te ayudarán a ser feliz.  Para los que ya les conocen, una gozada oírles, bailando y sudando a mares al ritmo de sus calurosas andanadas de punk pop; y a los que no, quizá no lo sepan, pero si lo supieran, estoy convencido de que les querrían a ellos sin perder más el tiempo escuchando mediocridades estivales varias.           

Nota: El día 18 de noviembre de 2017 presentan el Ep en directo en el Pub Port Of Spanin de Almería. (+ info). Puedes adquitir una copia del single en la web del sello Tualmonteyoalmar.

Muere Chuck Mosley de los Faith No More

Chuck Mosley
Charles Henry Mosley III nació en Hollywood, California, el 26 de diciembre de 1959 y falleció el 9 de noviembre de 2017 tras padecer problemas de adicción. Cantante y compositor, formó parte de los Faith No More de 1984 a 1988, sacando un par de discos "We Care a Lot" (1984) y "Introduce Yourself" (1987). También formó parte de los Bad Brains y creó los Cement.

Se crió en South Central Los Angeles y Venice. Fue adoptado a una edad muy temprana. Mosley conoció a Billy Gould en 1977 y tocó el teclado en la primera banda de Billy, The Animated, en 1979. En 1984 se unió a Haircuts That Kill, una banda de post-punk del área de San Francisco. Se unió a Faith No More en 1985 reemplazando a Courtney Love (Hole) que estuvo un breve período como cantante principal. En 1987, Faith No More firmó con la discográfica Slash Records (Warner Music Group) y realizaba giras multitudinarias. Según Billy Gould, pensaron en despedir a Mosley durante una gira por Europa en 1988, a raíz de su comportamiento. Mosley, presuntamente, podría haber golpeado a Gould en el escenario, entre otras peleas con el alcohol de por medio. Fue despedido después de que la banda regresara a casa. Fue reemplazado por Mike Patton. Mosley les demandó en 1989, alegando interese económicos por los activos financieros de Faith No More. Finalmente aceptó renunciar a sus derechos sobre la mayoría de las obras de la banda. Los problemas legales siguieron prácticamente hasta la actualidad.

Faith No More
En 1990, Mosley comenzó una temporada como cantante en la banda de hardcore punk Bad Brains. Actuó en casi sesenta conciertos en Estados Unidos y Europa antes de dejar la banda en enero de 1992. Formó una nueva banda de funk metal, Cement. Lanzaron dos álbumes: "Cement" (1993) y "Man with the Action Hair" (1994). Ambos álbumes fueron distribuidos por Dutch East India Trading (Estados Unidos) y Rough Trade (Europa). Durante la primera semana de la que iba a ser una gira de un año para promocionar el segundo disco, el conductor de la banda se quedó dormido al volante causando un accidente grave. Mosley pasó un año recuperándose de una fractura en la espalda. La gira fue cancelada y la banda se separó.


Chuck Mosley
Mosley se trasladó a Cleveland, Ohio en marzo de 1996, donde pasó varios años escribiendo y compilando nuevo material mientras criaba a sus dos hijas, y trabajando como chef en varios restaurantes. En 2009, Mosley anunció que lanzaría un nuevo álbum bajo el nombre de "V.U.A. (Vanduls Ugainst Alliteracy)". El disco "Will Rap Over Hard Rock For Food" fue lanzado el 11 de agosto de 2009 por Reversed Image Unlimited. El 14 de abril de 2010, Mosley hizo una aparición en el escenario en un concierto de Faith No More en San Francisco. El 17 de noviembre de 2012, Mosley reeditaba su álbum, "Will Rap Over Hard Rock For Food", y estaba trabajando en una autobiografía.

A finales de 2014 reveló que estaba en la ruina al borde del desalojo. En mayo de 2015 volvió a aparecer en un concierto de Faith No More en Detroit. A mediados de 2016, Mosley recorrió los EE. UU. tocando en acústico. Ese año grabó con Indoria el disco "You'll Never Make The Six". En 2017 actuó de nuevo con su antigua banda en Nueva York.


Documento sonoro:


"We care a lot" (1984) de los Faith No More



domingo, 12 de noviembre de 2017

Muere Fred Cole de los Dead Moon, entre múltiples proyectos de "garage rock"

Fred Cole 
Fred Cole nació el 28 de agosto de 1948 en Tacoma, Washington, y falleció el  9 de noviembre de 2017 a consecuencia de una enfermedad hepática. Cantante y guitarrista tocó con varias bandas de “garage rock”  y punk desde la década de los sesenta como The Lollipop Shoppe, Dead Moon o Pierced Arrows. 

Cole comenzó su carrera discográfica en Las Vegas con su banda, los Lords, en 1964 sacando un single titulado "Is not Got No Self-Respect".  Su siguiente single, de 1965 fue  "Poverty Shack" /"Rover", con una banda llamada Deep Soul Cole. En 1966, la banda de Cole The Weeds se hicieron con un nombre en los círculos de garage rock, sacando temas míticos como “It's Your Time” con “Little Girl” en la cara B para Teenbeat Club Records.

Temiendo el reclutamiento militar, la banda decidió desplazarse a Canadá, pero se quedó sin combustible en Portland, Oregon.  Allí, comenzaron a tocar en un club llamado Folk Singer, donde trabajaba Kathleen "Toody" Conner. Cole y Toody se enamoraron y se casaron en 1967. Más tarde, un mánager les hizo cambiar de nombre por el de Lollipop Shoppe porque también llevaba a los Seeds y pensó que los nombres eran demasiado similares. Sacaron un álbum con influencias psicodélicas “Just Color” con un single "You must be a witch" seguido de otro con el tema "Someone I Knew" más "Through My Window".

The Lollipop Shoppe se separaron en 1969, pero reaparecieron como The Weeds con otro single en 1971. Frustrado por el negocio de la música y todavía en edad de reclutamiento, Cole se dirigió a Alaska con Toody y sus dos hijos pequeños.  Llegaron hasta  Yukon, donde vivieron durante un año.  A su regreso, Cole intentó sin éxito obtener otro contrato discográfico en Los Ángeles. Se instaló en Portland y abrió una tienda de equipos musicales llamada Captain Whizeagle.  Formó la banda de hard rock Zipper y lanzó un LP en 1975 en su sello discográfico creado con Toody, Whizeagle.

Dead Moon 
En su próxima banda, King Bee, tocó la guitarra por primera vez además de cantar. Abrieron para los Ramones y se interesaron por el sonido punk. Lanzaron el single "Hot Pistol" en Whizeagle en 1978, pero pronto se separaron.  En un intento por encontrar una alineación estable, Cole enseñó a Toody a tocar el bajo y formaron The Rats.  Su álbum de debut homónimo fue lanzado en 1980 en Whizeagle.  Le siguieron los discos “Intermittent Signals” (1981) y “In A Desperate Red” (1983).  Tras tres bateristas y cansado de la dirección machista que la escena punk había tomado, Cole disolvió The Rats y comenzó una banda de country llamada Western Front.  Lanzaron solo dos singles, "Orygun" / "Clementine" y "Stampede" / "Looking Back at Me" en 1985, pero influyeron en muchos punks locales para fusionar el country con el rockabilly.

Pierced Arrows
Le siguió otro proyecto llamado The Range Rats, en 1986. El baterista Andrew Loomis pasó una audición pero no funcionó, así que Cole y Toody continuaron con una caja de ritmos. En 1987, cuando regresaban de Reno, su lugar de vacaciones, decidieron que querían volver a tocar rock 'n' roll. Llamaron a Andrew Loomis y crearon Dead Moon.  La música de Dead Moon es una mezcla de garaje oscuro de los sesenta con punk rock. Sus primeros discos, “In the Graveyard” (1988), “Unknown Passage” (1989)  y “Defiance” (1990), aparecieron en Tombstone Records, sello propio llamado así por la tienda de música Cole y Toody en Clackamas, Oregon.  


Le siguieron otros álbumes como “Stranded in the mistery zone” (1991), “Crack in the system” (1992), y otros hasta “Dead Ahead" tras el que se separaron en 2006. Con un nuevo baterista, Kelly Halliburton, Fred y Toody formaron la banda Pierced Arrows sacando los discos “Straight To The Heart” (2008) y “Descending Shadows” (2010). Loomis fallecía en marzo de 2016 a los 54 años. 

Documento sonoro: 

"You must be a witch" de los Lollipop Shoppe 

                  
"In the Graveyard" (1988) de los Dead Moon


jueves, 9 de noviembre de 2017

Muere Hans Vermeulen de los Sandy Coast

Hans Vermeulen 
Hans Gerard Jozef Vermeulen nació en Voorburg (Paises Bajos) el 18 de septiembre de 1947 y falleció en Ko Samui (Tailandia), el 9 de noviembre de  2017. Cantante, compositor, productor, guitarrista,  formó parte de la banda de Neder Biet, Sandy Coast.  También grabó discos a su nombre y con otras formaciones como Rainbow Train.

Sandy Coast fueron un grupo holandés de beat formado en Voorburg que empezó tocando con detalles folk hasta meterse de lleno en la psicodelia con influencias del pop-art. Con 14 años, su cantante Hans Vermeulen crea una banda de skiflle en 1961 ya con Onno Bevoort a la batería. Después se llamaron Sandy Coast Rockers. En 1964, se producen cambios y entran su hermano el guitarrista Jan Vermeulen y el bajista Jos de Jager.

En 1965 ya como Sandy Coast ganaron un concurso para grabar con Negram y editan su primer single: ‘Being in love’. En 1966 sacaron su cuarto single y el primero a tener cierta repercusión llamado ‘We'll meet again’. Entre 1967 y 1968 editan dos álbumes: “And their name is..”. y “From the workshop”.

En 1969 firman con Page One Records con los que graban el álbum “Shipwreck”. Con los setenta cambian de nuevo de formación y la banda se amplía a quinteto.  En 1971 triunfan con temas como ‘True love that's a wonder’. Tras su disolución en 1974, Hans formaría la banda Rainbow Train con los que grabaría el disco “Accompanied By” (1978). En los setenta también produjo a los Angeles.

A principios de la década de los ochenta, Sandy Coast reapareció consiguiendo un éxito con el tema “The eyes of Jenny”. Sacaron un par de discos más titluados “Terreno” (1981) y “Redez-vous” (1988). Vermeulen descubrió en la década de los ochenta, entre otros, Nadieh, Ruth Jacott y Hans de Booij.

En la década de los noventa emigró a Tailandia. Se casó con la cantante tailandesa Jariya Chatsuwan, conocida como Aom, y lanzó un álbum con canciones en holandés a finales de los 90 titulado “Vogelvrij” (1998). En 1994 y 2000 llevó adelante  un modesto proyecto llamado The Rest. En 2001 se unió a Marlayne y City to City en el programa de televisión Amstel LIVE.
Vermeulen recibió los premios holandeses  “Gouden Harp”  y Edison. Vivió en Ko Samui, Tailandia. Algunas veces al año visitaba los Países Bajos. Su hijo David Vermeulen también se convirtió en músico.

Documento sonoro: 

El magnífico tema folk pop del video titulado ‘Subject of my thoughts’ fue cara A de un single editado por Deram en 1966 con 'I'm a fool' en la cara B.




Violets reemprenden su carrera con "Maybe This", un álbum que huye de lo previsible con emoción y fuerza

Portada del cd
El retorno de Violets es una excelente noticia para todas y todos aquellos que amamos las canciones de melodías alentadoras marcadas con ritmos enérgicos y cantadas con voces cautivadoras. Tras interrumpir su carrera en 2015, vuelven, con energías renovadas, a inyectar a la actual escena de rock and roll toda la fuerza y la vitalidad que siempre las ha caracterizado. Las Violets han redimensionando su proyecto mediante un buen trabajo creativo e interpretativo con el que reafirman su innegable talento cuidando todos y cada uno de los detalles ya sean musicales como líricos. Su nuevo disco, editado este 2017 por la siempre comprometida discográfica H-records, contiene nueve canciones que amalgaman ideas propias repletas de emociones. Los magníficos arreglos incluyen motivos, riffs, juegos armónicos, y tempos que se conjugan mediante una génesis poderosa con la que hubieran podido dar vida a otras tantas creaciones que, muy probablemente, rondan ya por sus cabezas y que esperemos compartan con su fiel público en sucesivas como necesarias entregas. Por el momento, los cortes de este nuevo disco titulado "Maybe This" denotan a la perfección un propósito igual de divertido y entusiasta al que nos tenían acostumbrados, aunque mucho más reflexivo y perfeccionista que nunca. El camino que han reemprendido implica muchas probabilidades de futuro que se nos antojan altamente productivas. Y sí, es punk rock con todos sus parámetros y consecuencias, pero te aseguro que su música no va a resultarte tan fácil de delimitar, no al menos dentro de lo previsible.  

Trayectoria


Violets. Foto: Roser Gamonal
Violets se formó en Barcelona a finales del año 2011 por tres amigos: las cantantes Momo al bajo y Glory a la guitarra; más el baterista Vic. Procedían de otras bandas como Sexy Melons, Phatetics y Blowfuse. En 2013 sacan su primer disco con título homónimo que se grabó, mezcló y masterizó por Oscar David en Axstudio en junio de ese año. Salió en formato Cd, con licencia Creative Commons, y H-Records se encargaba de editarlo en vinilo azul, violeta o rojo, con cien copias por cada color. Puedes leer una reseña de ese disco en Magic Pop. Tras girar en 2014 por toda la península, Vic deja la banda y continúan con otro baterista llamado Pablo. Sacan un single en verano de 2015 llamado "This is how we do" y en septiembre de ese mismo año aparcan el proyecto para reponer fuerzas.

Foto: Elisabeth Encina
Las Violets, Momo y Glory regresan de nuevo y en esta ocasión, acompañadas por otro batería, Xavi Escribano de Malestar Social y The Anti-Pàtiks. En enero de 2017 graban y mezclan los temas de su segundo álbum en EM estudio (Terrassa) con el mencionado Xavi, y masterizados por Aleix Archs. En la portada un collage de discos, cassettes, y vinilo con un gato juguetón. Se incluyen las letras de los temas más fotos de las dos componentes de la banda, Glory y Momo.
 
Las canciones

Foto: Robbie Ramone

El álbum se inicia con "Six", magnífico arranque para ir al lugar "donde nada parece importar y a nadie parece importarle". Empezar de nuevo por medio de guitarras feroces, con potente acompañamiento de bajo y batería medidos con exactitud milimétrica, arropando a esas dos magníficas voces que explotan en el estribillo. Siguen con "Too Busy", canción para gente que parece de "otro mundo" a la que le vendría bien salvar su dignidad demasiado ocupada para ver la realidad. Sensacional andanada de guitarras y tempo alocado con magnífica voz principal, envuelta en coros, que transmite una enorme pasión desaforada. 


Foto: Soulrockthings
A continuación nos ofrecen "Hold On", canción en la que se expresa ese "dolor que sentí cuando todo lo que conseguí se vino abajo". Otro tema introspectivo que cuenta con arreglos hirientes, mediante guitarras cortando el espacio vital sobre un tempo bien medido, y una voz solista capaz de hacer brillar una melodía conmovedora. Le sucede "War", una guerra en la que te presiona el pasado, buscando los errores cometidos, cuando es demasiado tarde para encontrar algún sentido. De nuevo, la banda se muestra especialmente compenetrada para dar forma, sin fisuras, a una canción muy sensible en la que caben arrebatos de pasión entre momentos reflexivos agridulces que resultan igualmente cariñosos. Llegamos de este modo a "A Little Bit", tema en el que destaca esa capacidad demoledora para dar vida a canciones de punk rock no exentas de soluciones afectivas con demoledor bajo, batería persistente, guitarras omnipresentes y esas dos voces bien conjuntadas. Aquí nos hablan con absoluta normalidad de relaciones que llegan a su fin, y cómo lidiar con la soledad a pesar del dolor tras la huida de la pareja que necesita liberarse.  


Violets. Foto de su facebook
Con "No Signs No Time" se reafirma su irreductible talento para articular canciones que crecen con una fuerza inusitada, repletas de matices que sustentan una estructura consistente. Nos explican la historia de Mel, una chica que "no tenía amigos, ni familia, y no pertenecía a ninguna parte. Se escapó de casa, ella prometió no volver nunca más". Ya con el control sobre su vida, formó parte de un grupo de punk rock y "nunca piensa en el futuro, ni siquiera en el pasado porque la vida es muy corta y va muy rápido". Mel vive su segunda oportunidad.
Van finalizando con "Prisons", un tema en el que nos cuentan que "cuando miro alrededor, todos parecen estar en una prisión como yo. Lo único que elegimos es si queremos seguir respirando". Musicalmente, arrancan con unos compases a medio tempo que explotan en una descarga de guitarras, cambios de ritmo, y voces entregadas, con momentos aguerridos disparando acordes con enorme poderío. En "Better Without Me", la banda despliega todos sus recursos existenciales para superar momentos difíciles: "No sé si la vida me jodió pero ahora estoy mejor y tengo todo lo que necesito". Sin respiro, ni un paso atrás, nos conmueven con desarrollos de punk rock sincero, certero, y estremecedor. Creciendo compás a compás, la protagonista nos explica: "solo quiero gritar las palabras que nunca he dicho y cuando llega la noche, dejo caer todo el dolor para nunca volver a ver esta mierda".


Foto: Sergi Vila
Acaba el disco con "Around Me", la última de las excelencias de este gran disco, en este caso con referencias al punk vitalista, mediante guitarras fascinantes, voces deslumbrantes y ritmos bien calibrados. Un tema en el que tratan por última vez del desamor con una gran entereza: "Ahora que te fuiste, siento tu alma a mi alrededor… no tengas miedo porque nunca olvidaré el amor que me diste y todo lo que compartimos".

 
Reflexión final

Violets. Foto de su facebook
El nuevo disco de las Violets nos recupera a una banda con un genio creativo innegable que despertará tus sentidos mediante canciones arrebatadoras de punk a base de melodías afectivas y ritmos habilidosos. Los arreglos se nos antojan mejor estructurados, incluso meditados, que en sus anteriores entregas discográficas. Sin lugar a dudas, su inestimable regreso nos procura una banda más inspirada que nunca mediante un segundo disco "Maybe This" verdaderamente sensacional. Un álbum perfecto que no solo contiene canciones brillantes que invitan a ser correspondidas con expresividad corporal sino que además destaca por sus brillantes letras que te levantarán el ánimo mediante historias muy bien explicadas e hilvanadas con la música. Vale la pena que te entretengas en saborear sus múltiples mensajes interpersonales que recrean historias sin desperdicio alguno. Nos hablan de huir de nuestros errores sin arrepentirse de nada, de cómo afrontar segundas oportunidades, e incluso de tomar elecciones vitales cuando ya nada es como ayer y solo importa el ahora. Muy probablemente, te habrás encontrado en alguna de las circunstancias complicadas que motivan sus canciones y te aseguro que su reacción puede servirte de gran ejemplo para superarlas con dignidad y entereza mientras su música, como también cuentan en este esencial disco, te protegerá de todas las cosas que están tratando de decepcionarte.

 
Nota: Puedes escuchar las canciones en el bandcamp y adquirir una copia del Cd en H-Records.

miércoles, 8 de noviembre de 2017

Muere Marvin Ruffin, cantante de soul y funk

Marvin Ruffin
El 4 de noviembre de 2017 murió a los 64 años, el cantante de soul y funk, Marvin Ruffin, primo de David y Jimmy Ruffin. Nacido en Detroit,  grabó poco aunque actuó incluso por Europa en clubs donde repasaba con excelente voz algunos de los éxitos de la Motown. 

Ruffin se crió entre los amigos músicos de sus primos mayores. Pero él no era un cantante profesional, sino que trabajaba como mecánico y los fines de semana, cantaba. Finalmente, pudo conseguir  interpreta música soul en vivo, incluso en Europa, donde actuó regularmente como cabeza de cartel en clubes, o como telonero para otros.  Su actuación incluía generalmente covers de grandes éxitos de Motown de Marvin Gaye, Stevie Wonder y, por supuesto, de sus famosos primos.

Como muchos cantantes con talento que actuaron a nivel local, Marvin Ruffin tuvo cierta repercusión aunque tan solo grabó un sencillo con un par de temas “What's Come Over Me” y “ This Thing Called Love” editado en 1985 por Ruff Stuff.

Documento sonoro:

Marvin Ruffin y "This Thing Called Love".


Fallece el baterista Pentti Glan

Pentti "Whtey" Glan
Pentti "Whitey" Glan nació el 8 de julio de 1946 y falleció el 7 de noviembre de 2017.  De origen finlandés, se estableció en Toronto, (Canadá) donde en los sesenta formó parte de la banda de soul The Rogues, conocidos después por Mandala. También fue baterista de Alice Cooper y Lou Reed con lso que grabó discos de estudio y en directo.

Una de las primeras bandas de Glan fue la formación de soul The Five Rogues o Rogues (más tarde llamada Mandala), que creó con el teclista Josef Chirowski y el bajista Don Elliot. Habían trabajado juntos en otras bandas como Whitey & The Roulettes. Mandala tuvo su primer éxito  con "Opportunity" (1967) interpretada por el cantante original George Oliver, grabado para Chess Records.

Mandala
En 1966, Glan grabó las dos primeras canciones como Five Rogues Mandala tituladas "I Can not Hold Out Now No" y "I'll Make It It To You" con el cantante Roy Kenner. Cuando tocaron en su primer directo en los Estados Unidos actuaron en el Whiskey A Go Go. Grabaron su único álbum “Soul Crusade” en 1968, para Atlantic, del que salió un tema de éxito "Love-itis". Se separaron en 1969 después de varias alineaciones y escasas ventas. Glan formó otro grupo llamado Bush en 1971 con los compañeros de banda de Mandala Domenic Troiano, Roy Kenner y Prakash John. Lanzaron un álbum homónimo y se disolvieron. 

Pentti con Lou Reed
Glan se convirtió en baterista de sesión, tocando en el primer y segundo álbum en solitario de John Kay de Steppenwolf. En 1974, Glan comenzó a hacer giras con Lou Reed, tocando en dos álbumes en vivo, “Rock and roll Animal” (1974) y “Lou Reed Live” (1975) más un álbum de estudio, “Sally Can’t Dance” (1975). Su nombre aparece en varios directos editados tras la muerte de Lou Reed. Ese año se unió a Alice Cooper para grabar su primer álbum en solitario, “Welcome To My Nightmare” y su posterior gira. Más tarde apareció en el álbum en vivo “The Alice Cooper Show”. Glan estuvo de gira con Alice Cooper de 1975 a 1979 durante el Madhouse Tour, con el álbum “From the Inside” (1978).  También apareció en la película “The Rose” (1979) de Mark Rydell como el baterista de The Rose Band. 

Documento sonoro: 

"Opportunity"  intepertada por Mandala con Pentti a la batería.


Pentti con la banda de Lou Reed en 1974 en París en directo. 


lunes, 6 de noviembre de 2017

Fallece Billy Mize, pionero del sonido Bakersfield

Billy Mize 
Billy Mize nació en 1929 en Arkansas City, Kansas, y falleció el 1 de noviembre en una residencia para personas de avanzada edad en Pleasonton, California. Fue uno de los pioneros del influyente Bakersfield Sound. No alcanzó el nivel de popularidad de sus contemporáneos Buck Owens y Merle Haggard, pero fue una figura muy importante en la creación del sonido country de la costa oeste.

Su familia se mudó al Valle de San Joaquín en California, donde se crió entre muchos otros que fueron desplazados durante la época de la gran sequía de los años treinta conocida como “Dust Bowl”. Allí, fue influenciado por el country que la gente trajo consigo desde el medio oeste. Originalmente tocaba la guitarra, pero se pasó a la steel guitar a finales de su adolescencia. Antes de cumplir los veinte se mudó a Bakersfield, donde formó su propia banda y comenzó a trabajar como DJ en la estación de radio KPMC.

En 1953, colaboró en el Cousin Herb Trading Post Show en KERO-TV en Bakersfield, donde actuaban muchos artistas invitados que tendrían grandes carreras como Owens, Haggard, Tommy Collins, Jean Shepard y Ferlin Husky. El programa se vio en todo el sur de California, lo que provocó que llegara a una gran audiencia. La televisión se convertiría en su carrera principal durante el resto de los cincuenta, primero con Hank Penny y Cal Worthington y luego con su propio programa.

Comenzó a grabar en 1953 para el sello Kord y, en 1957, se pasó a Decca, donde lanzó el single "It Could Happen" / "Solid Sender".  Sus primeros éxitos los consiguió con Columbia a partir de 1965 con una serie de singles. Once llegarían a las listas, pero solo dos irrumpieron entre los cuarenta mejores singles de country, "Make It Rain" (1969) y "It Worts to Know the Feelings Gone" (1976).
Le premiaron en la Academia de Música Country en 1965 y 1967. También fue uno de los primeros miembros del Salón de la Fama de la Música de Bakersfield. Durante varios años, Mize tocó la steel y la guitarra rítmica para Merle Haggard. Sus canciones también fueron grabadas por Charlie Walker, Haggard, Ernest Tubb, o Dean Martin.

En 1990, su carrera como cantante llegó a su fin cuando sufrió un derrame cerebral, pero continuó tocando la guitarra y, finalmente, aprendió a cantar de nuevo después de una terapia intensiva.

Documento sonoro: 

"Make it Rain" a cargo de Billy Mize 


 El rock and roll "Solid sencer", a cargo de Billy Mize 







Muere el cantante de soul Robert Knight

Robert Knight
Robert Knight nació en Franklin, Tennessee, con el nombre de Robert Peebles el 24 de abril de 1945 y falleció el 5 de noviembre de 2017. Cantante de soul debutó con los Paramounts y ya en solitario tuvo su mayor éxito en 1967 con el tema "Everlasting Love". La escena northern soul de los setenta le recuperó consiguiendo otros éxitos con canciones como  "Love on a Mountain Top".

Debutó con una quinteto formado en el instituto con el nombre de los Paramounts. Firmaron con Dot Records en 1960, y grabaron "Free Me" en 1961, un sencillo de R&B que tuvo más éxito que una versión de Johnny Preston. Los siguientes temas no tuvieron tanta repercusión y el grupo se separó. Como rompieron el contrato no pudieron grabar en lso siguientes 4 años u medio.  Knight asistió a la Universidad Estatal de Tennessee, donde estudió química y cantó con el trío vocal los Fairlanes.

Robert Knight 
Ya en 1967, tras oírle cantar con los Fairlanes en Nashville en una fraternidad de la Universidad de Vanderbilt, donde llegaría a trabajar de técnico de laboratorio químico y profesor de química, el sello Rising Sons le ofreció un contrato como solista.  Su primera grabación, "Everlasting Love", escrita por los jefes del sello Buzz Cason y Mac Gayden, fue un éxito, alcanzando el número 14 en la lista R&B de EE.UU. y el 13avo en la lista Billboard Hot 100. Llegó incluso más lejos en el Reino Unido el año siguiente, cuando una versión de Love Affair alcanzó el número 1, pero a la par impidió que la versión original de Knight progresara más allá del número 40.


Knight tuvo un par de hits más con los temas "Blessed Are The Lonely" y "Is not it alone together". A mediados de los setenta la escena northern soul le recuperó volviendo a la lista de singles del Reino Unido con la reedición de su última grabación de 1968 "Love on a Mountain Top", alcanzando el puesto 10 a principios de 1974 en el Reino Unido. La canción también fue escrita por Cason y Gayden. El reeditado “Everlasting Love" llegó más alto en el Reino Unido en el año 1974, alcanzando el Top 20. Su última grabación en el Reino Unido fue el tema "Better Get Ready For Love", que alcanzó el número 53 en mayo de 1974. 

Documento sonoro: 

"Everlasting Love" a cargo de Robert Knight 


"Love on a mountain top" por Robert Knight