lunes, 24 de julio de 2017

Fallece el cantante y productor ghanés Paapa Yankson

Paapa Yankson nació el 22 de junio de 1944 en Winneba en la región central de Ghana y su familia anunció su muerte el 21 de julio de 2017 en Accra. Músico y productor ghanés de highlife, música originaria de su país, ganó múltiples premios por sus canciones incluyendo reconocimientos gubernamentales en su país.

Hijo de músicos, tras graduarse de la escuela comercial, realizó varios trabajos incluido el de taquígrafo y en una subsidiaria de la United African Company (UAC) en Samreboi donde tenían una banda de trabajadores, The Big Sound Band de la que se convirtió en su cantante durante los cuatros años en los que estuvo trabajando en los años sesenta. 

En los setenta, C. K. Mann, el líder de la formación  The Carousel Seven, convenció al director de la banda, Anis Mubarak, para que contratara como cantante a Yankson.  En 1975 se matriculó en la Academia Nacional de Música de Winneba y se graduó con un diploma en música. Tras graduarse, trabajó durante nueve años como profesor de música en la Unidad de Educación del Burma Camp, sede de las fuerzas armadas ghanesas, en Accra. En 1991, Ebo Coker, un hombre de negocios contrató a Paapa Yankson para su banda Western Diamonds, y se trasladó a Takoradi.  Les dejó en 1993 y tras para por otras formaciones como Golden Nuggets, empezó su carrera en solitario.  Paapa Yankson grabó más de 15 álbumes durante su carrera con canciones como “Wiase Mu Nsem”, “Show Your Love”, “Wo Yere Anaa Wo Maame” y “Tena Menkyen”. En 1997 compuso “Yaaba”, que ganó el premio a la mejor  composición en los premios Komkomba.  


En 2006, Paapa Yankson fue galardonado con la Gran Medalla de Ghana durante la Ceremonia Nacional de Honores y Premios de 2006 por el Presidente John Kufour en reconocimiento a su contribución a la música ghanesa.  El 21 de julio de 2017, su familia anunció su muerte mientras dormía en su casa en Dansoman en Accra. 

Documento sonoro: 


Paapa Yankson con los Western Diamonds 


Paapa Yaknson y su "Ghana Highlife" 


Nos deja Simon Holmes de los Hummingbirds

Simon Holmes
Simon Carter Holmes nació en Melbourne el 28 de marzo de 1963 y falleció el 13 de julio de 2017 en Sydney. Fue el cantante y guitarrista principal de la banda australiana de pop de los años ochenta Hummingbirds. También formó parte de los Her Name in Lights, Fragile y los Aerial Maps. 

Pasó su infancia con su familia en Bentleigh, Melbourne, antes de trasladarse a Turramurra, Sydney, en 1967í, antes de irse al extranjero durante tres años, al norte de Nueva York. Luego la familia se trasladó a Ginebra, Suiza. Simon pasó la siguiente parte de su infancia en Canberra y luego se mudó a Sydney a principios de los años ochenta. Comenzó a estudiar antropología y arqueología en la Universidad de Sydney, pero lo dejó a los dos años, disconforme con las peleas internas departamentales.

The Hummingbirds 
Después formó los Hummingbirds con el bajista John Boyce y el baterista Mark Temple en 1986, componentes de los Bug Eyed Monsters. Después entró la guitarrista y cantante Alannah Russack y Boyce fue substituido por la bajista Robyn St. Clare. Debutaron con el single "Alimony" con otros tres más para Phantom records. Con rooArt sacaron el single “Blush”  en 1988 y su primer Lp llevaría por nombre “LoveBUZZ” (1989).  Le siguió el disco “Va Va Voom” con el mismo sello rooART (1991). Shane Melder se haría cargo de la batería en 1992. Tocaron su último concierto el 11 de diciembre de 1993, en el Hotel Central Club en (Richmond) Melbourne.  


En la década de los noventa participó en varios proyectos alternativos en Sydney, así como en la gestión de la librería Half A Cow en Gleben, Sydney. En octubre de 2004 fue miembro de la banda indie Her Name in Lights y grabó su disco de debut “Into the Light Again”, para Laughing Outlaw Records.  A finales de los noventa colaboró con los Fragile y en los dos mil con los Aerial Maps.  

Tras 17 años, la banda Hummingbirds se reunió para un concierto el 27 de enero de 2011, en el festival Big Day Out en Sydney. La formación incluyó Holmes, Temple y Russack. La banda tocó en un concierto de tributo a The Cure, celebrando el 25 aniversario del lanzamiento del álbum 'Wish'. El concierto tuvo lugar en el Factory Theatre de Sydney el sábado 15 de abril de 2017. Este fue el último concierto de The Hummingbirds. 

Documento sonoro: 

"Blush" (1988) de los Hummingbirds


domingo, 23 de julio de 2017

Fallece el cantante L.C. Cook, hermano de Sam Cooke

L.C. Cook 
Charles “L.C.” Cook falleció el 21 de julio de 2017 a los 85 años. Hermano menor de Sam Cooke prescindió de la “e” tal y como era, en realidad, el apellido familiar.   Cantó con su hermano en SAR Records, y fue miembro de Soul Stirrers, el grupo familiar de gospel. Fue el quinto de los diez hijos del Rev. Charles Cook y su esposa Annie Mae. Vivió en Chicago. Formó parte de The Magnificents. A pesar de tener una voz excelente, incluso parecida a la de su hermano Sam, nunca tuvo éxito.  

A finales de los años treinta, Sam organizó un grupo llamado Singing Children con dos de sus hermanas. Más tarde se les unió LC para hacer un cuarteto de gospel. Los dos cantaron juntos también en los Nobleairs, y lograron cierto éxito juntos a finales de los cuarenta como miembros de la Highway Q.C. Dejaron de cantar juntos cuando el hermano mayor de LC fue reclutado en las filas de los  Soul Stirrers en 1951.

L.C. Cook 
En 1956, Cook se unió al grupo vocal de R&B de Chicago, The Magnificents, que había sido formado por Johnny Keyes un año antes. En ese momento, grabaron para Vee-Jay Records y estaban disfrutando de un gran éxito con "Up on the Mountain". Cook también comenzó a grabar a su nombre, sacando el sencillo "I Need Your Love" para Chess Records. En 1960, firmó con el recién formado sello SAR Records de su hermano. Cook grabó varios singles para SAR, pero a pesar de las extrañas similitudes entre su voz y la de Sam Cooke, no tuvo ningún éxito. "The Wobble" y "Put Me Down Easy", ambos escritos por Sam Cooke y grabados por su hermano en 1963, no lograron triunfar, pero al menos tuvieron cierta repercusión como melodía de baile.  Irónicamente, Cooke tuvo un gran éxito con la canción de Chester "Howlin 'Wolf" Burnett  "Little Red Rooster"  que LC rechazó. Tras la muerte de Sam Cooke a finales de 1964, LC Cook siguió grabando, pero su carrera nunca llegó a nada parecido a su hermano, ni como cantante ni como compositor.


Documento sonoro: 

"Put me down Easy" por LC Cook 




Muere el cantante de soul, Bobby Taylor

Bobby Taylor 
Bobby Taylor nació el 18 de febrero de 1934 en Washington, DC. y falleció, a consecuencia del cáncer, el 22 de julio de 2017 en Hong Kong donde residía desde 2014. Fue el vocalista principal del grupo Bobby Taylor & the Vancouvers, que obtuvo éxito con el tema "Does Your Mama Know About Me" en 1968, y por  descubrir  a The Jackson 5, uno de las formaciones  más relevantes del soul de todos los tiempos.  

Fue criado en Washiongton y siendo joven se trasladó a Nueva York.  Taylor empezó su carrera en los cincuenta colaborando con cantantes que más tarde formarían bandas de doo wop como Little Anthony & The Imperials y Frankie Lymon & The Teenagers. En 1958 empezó a cantar con The Four Pharaohs.   A principios de los años 1960, Taylor conoció a Little Daddy and the Bachelors, compuestos por el vocalista Tommie Melton, el guitarrista Tommy Chong, el bajista Wes Henderson, el pianista Bernie Sneed, y el baterista Floyd Sneed (más tarde el baterista de Three Dog Night ). Mientras que en Calgary eran conocidos como The Calgary Shades. Las “sombras” hacía referencia al hecho de que la banda era interracial.  Chong, de origen oriental,  se hizo más tarde famoso con el dúo de comedia Cheech y Chong. Los otros miembros eran negros, blancos e indios. Taylor era de ascendencia afroamericana, puertorriqueña y nativa americana.

Little Daddy & The Bachelors  grabó un sencillo con "Too Much Monkey Business" / "Junior's Jerk".  Melton y Chong inauguraron un salón de baile en Vancouver en 1962 llamado Blues Palace, que antes era un cine.  Después pasaron a llamarse Four Niggers and a Chink antes  de ser conocidos como Bobby Taylor y los Vancouvers.  En 1965, las Supremes Mary Wilson y Florence Ballard escucharon a la banda,  cuyo repertorio consistía principalmente en versjiones de  Motown, en Vancouver. Les gustó  y se lo comentaron a Berry Gordy, Jr.  quien los fichó para  Motown Records en Detroit, Michigan.  En ese momento eran Taylor, Henderson y Chong, junto con el guitarrista Eddie Patterson, el organista Robbie King y el baterista Duris Maxwell (alias Ted Lewis), los tres últimos llegaron cuando se fusionaron con otro grupo local, The Good Shepherds.  
El grupo grabó su álbum de debut, con título homónimo, y su single de debut, el tema de Tommy Chong "Does Your Mama Know About Me", que alcanzó el puesto número 29 en el Billboard Hot 100, y el 44 en Canadá.  En julio de 1968, abrieron para ellos los Jackson 5.  Impresionado con el grupo, Taylor personalmente los llevó a Detroit y organizó una audición con la ejecutiva de Motown con la que firmaron de inmediato.

Bobby Taylor 
Los Vancouvers sacaron dos singles más, "I Am Your Man", producido por Nickolas Ashford y Valerie Simpson, y el tema de Smokey Robinson "Malinda". Después  respaldaron a  Chris Clark. Tommy Chong y Wes Henderson fueron despedidos por el productor de Clark, Johnny Bristol por haberse perdido un concierto por no tener las tarjetas de residencia.  El grupo se separó poco después, cuando Chong intentó que el contrato de los Vancouvers se redujera a la mitad con Taylor y Henderson, mientras que Robbie King, Eddie Patterson y Ted Lewis serían considerados como músicos de estudio. Entonces, Taylor hizo una audición para entrar a formar parte de los Temptations tras la salida de David Ruffin, pero fue rechazado.  


Siguió cantando en solitario temas como "Oh, I've Been Blessed". Se convirtió en el mentor de los Jackson 5 y ayudó a producir el debut del quinteto, y abandonó la Motewn a principios de los setenta.  Taylor siguió actuando en solitario en los últimos años, y se reunió brevemente con The Vancouvers en los años ochenta para grabar en el Reino Unido con los  Motorcity Records  de Ian Levine.  

Documento sonoro: 

"Does Your Mama Know About Me" (1968).


"Oh, I've Been Blessed" (1970) interpretado por Bobby Taylor 


Muere Geoff Mack, compositor y cantante de country

Geoff Mack
Albert Geoffrey McElhinney nació el 20 de diciembre de 1922 en Surrey Hills, Melbourne, (Australia) y falleció el 21 de julio de 2017 en Benowa, Queensland, Australia. Más conocido como Geoff Mack, fue un cantante y compositor de country, autor del tema "I've Been Everywhere" que fue un gran éxito australiano cantado por Lucky Starr en abril de 1962 y después se hizo popular en los Estados Unidos cantado por Hank Snow en noviembre de ese año. Se calcula que se han grabado más de 130 versiones.  

Se alistó el 4 de junio de 1942 en la RAAF y fue entrenado como mecánico de aviones durante la segunda guerra mundial. Se licenció en 1946 con el rango de cabo. En 1944 mientras servía en Borneo, destacó por su capacidad para tocar la guitarra y  cantar. Realizó numerosos espectáculos para entretener a las tropas,  con las estrellas que les visitaban.  Destacó con interpretaciones vocales en canciones como "In Der Fuhrer's Face ". Al final de la guerra, Mack se fue al Japón y fue destinado a la Radio WLKS como la voz de las Fuerzas de Ocupación de la Commonwealth Británica. En  agosto de 1950, volvería a Australia después de actuar por varios países. 

Geoff Mack 
Su canción de 1959, "I've Been Everywhere", se convirtió en un éxito en Australia en 1962 interpretada por Lucky Starr. Más tarde llegó a la cima de las listas de canciones en Estados Unidos, Alemania y Japón. La canción ha sido grabada en 131 versiones diferentes, destacando algunas como la del álbum de 1996 de Johnny Cash, “Unchained”. En 1971 vería la kluz su disco de título homónimo para Jam records.


Mack entró a formar parte del salón de la fama de compositores en Nashville, Tennessee en 1963, y recibió otros honores como la Medalla de la Orden de Australia en 2005 por su servicio a la música country, y su apoyo a la comunidad y los grupos de personas mayores. En 2013, Mack fue galardonado por la Country Music Association de Australia en su ceremonia anual de premios en Tamworth. 

Documento sonoro: 

Johnny Cash cantando el tema de Geoff Mack, "I've Been Everywhere"




Fallece el guitarrista Errol Dyers

Errol Dyers 
Errol Dyers murió el 21 de Julio de 2017 a los 65 años en Ciudad del Cabo (Sudáfrica) a causa de un enfisema pulmonar que padeció durante años.  Prestigioso compositor y guitarrista sudafricano,  fusionó el "Capejazz" con la música tradicional del Goema, Ghomma o Gomma, tambor utiizado en los carnavales de la ciudad sudafricana.


Dyers creció en una familia de músicos y a aprendió a tocar en las calles de Ciudad del Cabo siendo uno del os músicos pioneros del llamado "Capejazz" (jazz de Ciudad del cabo). Grabó discos con la banda Sheer All Stars con Paul Hanmer, McCoy Mrubata, Sipho Gumede,  Frank Paco, y Louis Mhlanga. Colaboró con el compositor y multi- intrumentista Hilton Schilder y el guitarrista Steve Newman. También tocó con Jack Momple y su banda de jazz, el pianista George Wernes, el bajista Peter Ndlala y el baterista Carlo Fabe. Su colega músico Molly Baron lo describió como "un genio" de la guitarra y dijo que "si Errol hubiera nacido en Inglaterra o en América, habría sido reconocido como uno de los mejores guitarristas del mundo".

Documento sonoro: 

"Sonesta", a cargo de Errol Dyers, pionero del Capejazz. 


viernes, 21 de julio de 2017

Muere Kenny Shields de los Streetheart

Kanny Shields 
Kenny Shields fallecía a los 69 años en el hospital de Winnipeg (Canadá) por complicaciones en una operación cardíaca de urgencia. Cantante canadiense formó parte de la banda Streetheart. Los Streetheart son una formación canadiense de rock, de Winnipeg, Manitoba, que comenzó su carrera en Regina, Saskatchewan en el año 1977. Sus canciones más conocidas son "Action", "Hollywood", "Teenage Rage", "One More Time", "What Kind of Love is This", y las versions del "Tin Soldier" (Small Faces Cover), "Here Comes the Night" (Them), y sobre todo el cover del tema de los Rolling Stones "Under My Thumb". 

El teclista Daryl Gutheil y el bajista Spider (Ken Sinnaeve) formaron una banda llamada Witness Incorporated en Regina, antes de refundarla en Winnipeg, con el cantante Kenny Shields. Cambiaron de nombre por el de Witness, y finalmente por el de Streetheart en 1977 con el guitarrista Paul Dean y el baterista Matt Frenette.  La banda sacó “Meanwhile Back in Paris” en 1978 al que siguió “Under Heaven over Hell” en 1979, tras el que Frenette les dejó para unirse a Paul Dean en su banda Loverboy.  John Hannah tocó la guitarra en “Under Heaven Over Hell” (1979), “Quicksand Shoes” (1980), y “Drugstore Dancer” (1980). En 1980, la banda ganó el premio Juno a "Most Promising Group of the Year".

Kenny Shields 
Le siguieron otros discos como “Action: Best of Streetheart” (1981), “Streetheart” (1982), “Dancing with Danger (1983)”, y un doble en directo “Live After Dark” (1983).  Consiguieron seis álbumes de oro y cuatro de platino en Canadá. La banda se separó en 1983, tras lo que salió una colección de canciones inéditas con el título de “Buried Treasures” (1984). Volverían a tocar juntos en 1999.

Kenny Shields se sometió a una cirugía de emergencia por una dolencia cardiaca grave, lo que obligó a la banda a cancelar todos sus planes de gira para 2017.  La banda tiene previsto dar un concierto final de despedida el 29 de agosto de 2017 en Winnipeg. 

Documento sonoro: 

Streetheart en directo en 1979. 


jueves, 20 de julio de 2017

Fallece Chester Bennington de los Linkin Park

Chester Bennington 
Chester Charles Bennington nació en Phoenix, Arizona, el 20 de marzo de 1976 y falleció el 20 de julio de 2017 en Palos Verdes Estates, Los Ángeles, donde fue encontrado su cuerpo sin vida. Según las primeras informaciones, se habría suicidado ahorcándose en el domicilio. Fue cantante de la banda de rock Linkin Park,  formó los  Dead By Sunrise y fue vocalista de los Stone Temple Pilots de 2013 a 2015.

Chester empezó cantando en una banda local de rock llamada Grey Daze en el año 1993 ganando algún prestigio en Phoenix. En 1998 les dejó por desavenencias creativas  y conoce a Jeff Blue, vicepresidente de Zomba Music, quien le informa sobre las audiciones para formar parte de Linkin Park. Se muda a Los Ángeles en 1999 con el propósito de entrar a formar parte de Xero que era el nombre inicial de la banda creada en 1996. Le aceptan como vocalista, en sustitución de Mark Wakefield.  Ya habían grabado un disco de título homónimo  y Jeff Blue, ya vicepresidente de Warner Bros, logra que firmen un contrato con la discográfica. 

Linkin Park 
Cambiaron de nombre por Hybrid Theory con el que graban un Ep.  Después adoptaron ya el de Lincoln Park, pero al coincidir con el de un dominio de internet, se modificó la ortografía para ser Linkin Park. El resto de la formación inicial eran Mike Shinoda, Dave Farrell, Joe Hahn, Brad Delson, y Rob Bourdon. En el año 2000 sacan su primer álbum de estudio “Hybrid Theory” al que han seguido “Meteora” (2003), “Minutes to Midnight” (2007), “A Thousand Suns” (2010), “Living Things” (2012), “The Hunting Party” (2014), y “One More Light” (2017).


Chester también creó en 2005 Dead By Sunrise, banda que cuenta con Ryan Shuck, Amir Derakh, Brandon Belsky y Elias Andra, de Julien-K, con el que sacó un par de singles y el álbum “Out of Ashes” (2009).  En mayo de 2013, Chester se unía en directo a los Stone Temple Pilots, convirtiéndose  en su  nuevo vocalista.  En 2015 Chester dejó la banda por no perjudicar su trabajo con Linkin Park.

Documento sonoro: 

"Runaway" del disco “Hybrid Theory” de Linkin Park 




The Dealers revolucionan el panorama R&B mediante un toque personal y ácido en “Turning Upside Down”

Portada 7"
Si con sus dos primeros singles, ya agotados, y su más reciente Lp, The Dealers nos habían impresionado y divertido, a partes iguales, mediante unas canciones destacables tanto por su originalidad creativa como por una más que evidente destreza interpretativa, espera a oír este nuevo 7” que edita Bickerton Records y Action Weekend records en este 2017. Sin tapujos que valgan, “Turning Upside Down” es como su nombre indica toda una revolución dentro del panorama sixties actual conectando, en sus tres brillantes cortes, los recursos del R&B más el freakbeat con los detalles ácidos  de una incipiente psicodelia británica  de mediados de los sesenta.  El resultado son temas fascinantes, ideales para bailar o corear al ritmo de una banda que, desde sus inicios, está creciendo a pasos agigantados y aportando a la escena del rock and roll muestras irrefutables de un talento natural indiscutible.   

Trayectoria

The Dealers  son Mikel de Quintana a la voz y guitarras;  Al Sampedro, voz,  percusión y armónica; Koldo Sagastume a los coros y bajo; más Oscar Arribas a la batería.  Se crearon en Vitoria en 2006 y dos años después, nos dieron a conocer su primera maqueta con temas como ‘Wild change’, ‘The Strange’, ‘Thinker’, ‘My Flash on You’, ‘Out of our tree’ y ‘Set me free’. En 2010 grabaron en los Montreal Studios de Subiza (Pamplona) con Hans Kruger los temas de su primer single, “I Can’t Win” en la Cara A y en la Cara B, “Hypocondria”, que editaría Action Weekend Records y Bickerton Records (+ info). Con su segundo single, editado en 2014, repiten sellos, estudio, producción, y fotógrafo José Ramón Gómez, "Pi" que les capta en una buena instantánea, de nuevo, entre colores otoñales. Contiene el tema “El Extraño” más una formidable versión de los Zombies, “Indication”, original de Rod Argent, editado el 17 de junio de 1966 por Decca. Cabe destacar también el insert de ilustraciones a cargo de Norabaty Josune y M.Moraza aka Mikel de Quintana. Una curiosa serie denominada precisamente “El Extraño” con aires psicodélicos en los que los personajes están rodeados por aullidos de lobos, campanarios, industrias, platillos volantes, y unicornios de papel, que destacan entre torbellinos de figuras geométricas. Puedes leer una reseña de ese sencillo en el Magic Pop. En este blog también se presentó el videoclip de “El Extraño” que rodaron con la productora Crysalida. 

A finales de 2015 salió  el Lp “Serendipic Breakfast” editado también de forma conjunta por Bickerton records y Action Weekend Records. La grabación se llevó a cabo en la Jimmy Jazz de Gasteiz  con Koldo Sagastume, ayudado por su hermano, Jabolo.  Después, las mezclas se hicieron en el local de Koldo y finalmente las mandaron a los Estudios Circo Perrotti en Gijón para que Jorge Explosion hiciera el máster. Por lo que se refiere al brillante artwork, con su psicodélica portada y contraportada entre personajes fantásticos,  el diseño es obra de M.Moraza con la colaboración de Norabaty Josune.  También te reseñamos ese disco aquí

El single que te presentamos fue grabado y mezclado en los estudios del Circo Perrotti en enero de 2017. El arwtork  en blanco y negro con agujero central recuerda los diseños de los años sesenta, incluido un dibujo de los componentes con atuendos lisérgicos.  Se trata e uan edición limitada a 500 copias.  

Las canciones

The Dealers. Foto: Aitor Audicana
Una de las dos caras se abre con “Wearing a frown (again)” de marcado anclaje “ritmanblusero” con penetrante melodía, rimo marcado, toques de armónica perfilando una segunda voz, un solo afilado de guitarra, y secuencias sonoras que te permitirán “volar solo y alto con una alfombra mágica…resolviendo todos los problemas y pecados”.   Le sigue un tema de plena felicidad vital como es “My New Little Gem”, con unas cuantas gemas más de buen R&B con arranque de riff garajero, armónica freakbeat y detalles lisérgicos de guitarra con una impecable sección rítmica de imaginativo bajo y precisa batería. Una auténtica maravilla  que ejemplifica, a la perfección, como el “garage” puede derivar hacia la psicodelia sin fisuras ni dificultad alguna.  

The Dealers. Foto: Aitor Audicana
Ya en la otra cara, nos ofrecen un único pero descomunal tema llamado “Got No Gouda” en el que dan rienda suelta, de nuevo, a su indudable maestría para perfilar auténtico R&B, con generosas dosis de riffs salvajes, tempos penetrantes, armónica desbocada, y fascinante voz principal  aglutinando una excelente presentación melódica y rítmica al que añaden un solo lisérgico de guitarra sin perder de vista la locura de su línea sonora principal. Un tema de extraños viajes, vuelos que se estrellan, chicas con ojos místicos, y colores que se desvanecen…      

Reflexión final


The Dealers. Foto: Aitor Audicana
Magic Pop lleva tras los Dealers, disfrutando de sus canciones y reseñando sus obras, pues  nada menos que cerca de una década y en todo este tiempo, les hemos visto crecer más allá de lo indecible pese a los diversos inconvenientes que seguro han encontrado por el camino.   En un principio les costó encontrar alguna discográfica que apostara por su trabajo pero, por suerte para todos, se pusieron en manos del irrefutable tándem formado por Bickerton y Action Weekend. Gracias a esa conjunción de grandes, llegan hasta nosotros sus canciones con excelente calidad.  Si con el anterior Lp, nos empapamos de sus consistentes filias sonoras de tonos lisérgicos mediante un trabajo de grupo encomiable con el que generan un amplio abanico de matices, en este single recrean su vertiente más enérgica, visceral y salvaje para dar forma a auténticos himnos propios de R&B con detalles ácidos que, con toda seguridad, llenarán las pistas de los mejores allnighters. El amante acérrimo de los sonidos sixties, aquel o aquella al que nadie puede engañar con cualquier sucedáneo ni con modas fatuas,  sabe que no tardando mucho debe pedir, cuanto antes, una copia de este single para engrandecer su discografía personal antes de que se agote como ha sucedido con sus primeras entregas. Estos vitorianos merecen ocupar un lugar destacado en tu estantería, al lado de los habituales grupos de cabecera. Sin miedo alguno, ni modestia que valga, pueden presumir de una firme actitud y una prolífica creatividad  con la que logran perfilar un producto original y notoriamente revolucionario.      

Nota: Puedes escuchar las canciones y adquitir una copia del Ep en el bandcamp.   

martes, 18 de julio de 2017

Muere Peter Principle de los Tuxedomoon

Peter Principle 
Peter “Principle” Dachert falleció el 17 de julio de 2017 a los 63 años. Bajista y compositor,  formaba parte de la banda Tuxedomoon y creó los Ecco Bravo. Según se informa en varios medios fue encontrado muerto en su habitación en Les Ateliers Claus de Bruselas, cuando la banda estaba preparando nueva música y gira. Su muerte podría haberse producido a raíz de un ataque al corazón o apoplejía. Los Tuxedomoon  son una de las bandas legendarias del post punk y vanguardia de los ochenta aún en activo.  

Los Tuxedemoon se crearon en San Francisco a finales de los setenta por Steven Brown (nacido  Steven Allan Brown el 23 de agosto de 1952, en Chicago, Illinois) y Blaine L. Reininger. Empezaron creando temas con violines eléctricos, guitarras y sintetizadores dando forma a canciones encuadradas en el llamado sonido "cabaret no-wave".  Se formaron en 1977 surgiendo de la comuna de artistas The Angels of Light con la colaboración de Tommy Tadlock. Contaron también con Paul Zahl a la batería así como del artista de performance Winston Tong, voces, autor de su conocido tema “In A Manner Of Speaking”  y Bruce Geduldig, un cineasta. 

Peter Principle
El bajista Peter Principle se incorporó a la banda en 1979 tras el primer Ep "No Tears", concretamente con el segundo Ep "Scream with a View" (1979). Ese año firmaron con Ralph Records y sacaron el disco “Half-Mute” (1980). Le siguió “Desire”(1981) y “Divine” (1982).  Eventualmente Reininger dejó el grupo y la banda se trasladó a Europa donde firmó con Crammed Discs y sacaron el disco “Holy Wars” en 1985.  A continuación sacaron “Ship of Fools” (1986), “You” (1987) y “The Ghost Sonata” (1991). Se separaron a principios de los noventa. Volverían posteriormente con nuevos discos como "Joeboy in Mexico” (1997), “Cabin in the Sky” (2004), “Vapour Trails” (2007), “Pink Narcissus” (2014) y con Cult With No Name “Blue Velvet Revisited” (2015).

Principle también formó el grupo de improvisación Ecco Bravo entre 1996 y 2000, tocando la guitarra  con Josh Mathews a la bacteria y voz, Dave Kennenstein al bajo y theremin.

Documento sonoro: 

Del Ep, "Scream with a View" (1979), "Where Interests Lie". 


Fallece Kayton Roberts, maestro de la Steel guitar

Kayton Roberts 
Kayton Roberts nació el 25 de noviembre de 1933, en Ona, Florida, y falleció el 13 de julio de  2017 en Nashville, Tennessee, tras padecer un derrame cerebral. Intérprete de Steel guitar, fue miembro de la banda de Hank Snow, The Rainbow Ranch Boys, desde 1968 hasta la muerte de  Snow en 1999. También acompañó a Marty Stuart, Randy Travis, Ricky Skaggs, Alison Krauss, The Cox Family, Aaron Tippin, Riders In The Sky y Billy Joe Shaver, entre otros.  

Entre los 10 y los 12 años consiguió su primera guitarra y tocó con la banda country de su padre. En los cincuenta se sumó a varios proyectos y su primer éxito le vino cuando Jerry Byrd grabó una de sus canciones "Chime In" en su álbum de 1964, “Admirable Byrd”. Otras de sus composiciones famosas son "Blue Steel Guitar", "Kayton's Rag", "Opryland Swing" y "Kayton's Waltz". En 1968 debutó con un disco llamado “Steelin’”. Después grabó con Little Roy Wiggins el disco “Twin Steel guitars” en  1973 y con Iva Lee Roberts en 1975, más el álbum “The Bells Of St. Mary” en 1982 y "Valley of the Rpses2 en 2012. Entró a formar parte del salón de la fama de la Steel guitar ese mismo año 2012. 

Documento sonoro: 

Kayton Roberts con la banda de Rob McNurlin. 


Jim McCulloch te arropa con su enriquecedor proyecto Green Peppers, canciones sublimes “Retrospectively Yours”

Portada
No deja de sorprenderme cómo de impune resulta, para algunos, el vender productos anodinos de pop que perjuran moverse en el “underground” cuando en realidad acaban por regurgitar siempre lo mismo y encima mediante una insoportable connivencia con el absurdo y repetitivo holding publicitario de la mediocridad.  Festivales de masas, postureos de moda, pleitesía con ciertas marcas de bebidas y ropa, son algunas de las señas de identidad de un negocio discográfico débil que, si bien está pensado para  exprimir los últimos beneficios del rock and roll, no creo que pasen a la historia por nada más que por la evidencia de que son absolutamente  prescindibles.  Pero ¿qué hay de las canciones?. ¿Quién piensa, invierte, se obceca, lucha… por dar vida a una melodía bonita, sin ínfulas que valgan, con el loable propósito de compartir una emoción con el oyente, y luego si eso, ya se verá?. Por suerte, nos quedan músicos tan sobresalientes como Jim McCulloch y su proyecto en solitario llamado Green Peppers del que el sello You Are The Cosmos ha editado este 2017 un recopilatorio fascinante bajo el título de “Retrospectively Yours”.  Este sí es un disco de canciones bonitas de pop, como debe ser, y lo otro, eso que menciono en el principio de inicio esta reseña, no es nada.  

Trayectoria

Jim McCulloch
Jim McCulloch es un destacado músico de la escena  de Glasgow quien ha formado parte de bandas escocesas como BMX Bandits, Superstar, Snowgoose, The Primary  5 o The  Soup Dragons. Desde 2005, ha editado discos en solitario bajo el nombre de Green Peppers, colaborando con artistas como Isobel Campbell, Emma Pollock de Delgadoes y  Justin Currie de Del Amitri, entre otros como Alan Hutchison en  directo.  Sus tres discos fueron editados por el sello de Glasgow, Neon Tetra, con los títulos de “Joni’s garden” (2004), “Dominos Morning” (2007), y “Advertures in the slipstream” (2008).  Para la grabación contó con la colaboración de músicos como Dave McGowan (Snowgoose) ‎ y Alan Hutchison al bajo; Alyn Cosker, Ross Sinclair  y Jamie Cash a la batería, David Scott y Brian McNeill a los teclados, o Donald Gillan al cello. La portada del disco es una estampa portuaria, probablemente, de algún rincón de Escocia con su protagonista posando contento pese a un evidente abandono de su entorno, una metáfora quizá del momento que vive el rock and roll.

Las canciones

El recopilatorio que edita You are The Cosmos contiene cortes destacados de esos tres discos. Se abre con “Angel, Angel” de su tercer trabajo, tema calmado repleto de un amplio abanico de genialidades interpretadas con sumo cuidado. Le sigue “Honest Injun”, del segundo álbum, cantada, con una alegría contenida que invita al baile, por Justin Currie. Volvemos al primer álbum con “Green”,  canción intimista que se hilvana con múltiples detalles de calidad incluido ese clarinete interpretado dulcemente por Jim.

A continuación nos ofrecen “American Tan”, del segundo disco, con Daniel Wylie a los coros participando de ese festival casi circense de beat  60’s a base de una conmovedora melodía y un ritmo perseverante. Sigue con “The Sun And Moon And Stars”, otra muestra irrefutable del envolvente sonido acid folk, con aires medievales, del primer disco. Cierra la cara “It's Hard To Kill A Bad Thing” también del segundo álbum. Una canción con arranque de guitarra acústica que va tejiendo líneas sonoras como partes indisolubles de un paisaje global al que se añaden la voz principal y el pedal steel.  El tema fue escrito originalmente como instrumental para una  colaboración entre Isobel Campbell y Mark Lanegan, bajo el título de “Ballad of the Broken Seas”.

De su segundo álbum, se escoge “Shabby Horses” para abrir la cara B. Su brillantez interpretativa estriba en su entrega rítmica, con sus momentos solistas de cello, más los punteos de guitarra, más esa descarga emocional que llega a su cenit en un estribillo que te cautivará con toda su fuerza. Después oímos, del tercer álbum, “Carry Me Away” cantada magníficamente por Sandra Belda Martínez, acompañada a la voz por Jim quien también aporta  melódica y guitarra. Acto seguido, disfrutamos de “Anything Goes” del primero trabajo con ese cuidado caminar folky de acústica más voz serena, entre sensuales toques de piano. 

Seguidamente, recuperan dos temas del tercer álbum: “The Apple Sun”  cantada por Anna Sheard (Snowgoose), quien se explaya con gran dominio vocal entre bonitos arpegios de guitarra y detalles de melódica, más "So Near So Far”, con Melanie Whittle (The Hermit Crabs) a la voz principal dando igualmente muestras de su seguridad y prestancia como solista entre órgano y guitarras a ritmo de pop encantador. Y para cerrar, otro corte del primer disco, “Time Machine” que cierra de forma magistral tamaña concentración de genialidades.  Una vez más, una banda bien conjuntada consigue que otra melodía preciosa sirva de punto final a un brillante compilado de canciones a cargo de este gran músico que es Jim McCulloch acompañado por extraordinarias voces e instrumentistas.

Reflexión final


Jim McCulloch
Si oímos, por separado, los tres discos firmados hasta el momento bajo el nombre artístico de Green Peppers, probablemente el primero nos parezca más folk, el segundo más guitarrero y quizá americano, mientras que el tercero resulta claramente influenciado por los sonidos “sixties”. Ahora bien, si analizamos con profundidad este recopilatorio que nos ofrece You Are The Cosmos, esos tres comentarios antes expuestos por separado, van a perder relevancia en pro de uno solo e indiscutible que, a la par, los fusiona ante la evidencia de que Jim McCulloch es un gran compositor de canciones capaz de expresarse en un amplio espectro de motivos instrumentales, con arreglos que van del intimismo a la grandeza del momento, según estados de ánimo.  Sin lugar a dudas, todas y cada una de estas canciones son una muestra irrefutable del dominio compositivo de su autor, y la capacidad por expresarse de forma conmovedora desde lo más recóndito del alma. Mediante la aparente fragilidad de sus arreglos, su música tiene más de propio que de aprehendido. Como todo buen amante del pop que se precie sabe, esa  originalidad no resulta tan fácil como presumen aquellos que copian hasta la saciedad para presumir de lo que adolecen. Esa necesidad imperiosa, alcanzable solo para algunos, no es otra que conseguir canciones tan bellas a la par que emotivas como las que podrás oír en este magnífico e indispensable recopilatorio, retrospectivamente tuyo...        

Nota: Puedes escuchar las 

       

lunes, 17 de julio de 2017

Shirley Davis and The Silverbacks, funk soul encisador a les 13 JMEP d'Ulldecona més 6è Aplec Mod del Sénia

Shirley Davis and The Silverbacks. Foto: Magic Pop
En un marc veritablement encisador com és el capvespre a l’Ermita d’Ulldecona, el passat diumenge 16 de juliol de 2017 van actuar la banda madrilenya de funk soul Shirley Davis and The Silverbacks. Van pujar a l’escenari amb retard, degut al tràfic intens que van trobar en el seu llarg viatge procedents des de França on havien tocat en directe divendres a Bordeus i dissabte a Sorges. Comprensiblement cansats, van revifar els esperits al trobar-se davant d’un dels públics més agraïts i entregats que tot bon artista pot aspirar, el de les Jornades Musicals a l’Ermita de la Pietat d’Ulldecona que celebren ja la seva tretzena edició.  

Entrada Ermita. Foto: Magic Pop
L'espai, únic i màgic, estava ple a vessar de públic. Tothom va ballar i gaudir de la professionalitat d’una banda, els Silverbacks, molt ben conjuntada amb el propòsit escrupolosament assolit d’embolcallar una veu potent a càrrec d’una cantant fascinant.  Shirley Davis es va lluir interpretant tendres balades soul, línies de funk contagioses, cohesionades amb detalls de música africana dintre d’un ampli ventall de melodies  sensuals i ritmes viscerals. Fou així com s’establí la necessària empatia i comunicació que fa d’un concert una cerimònia irrepetible. I aquest ho va ser, sense cap mena de dubte. 

Durant la mateixa jornada dominical, se celebrava al mateix lloc el sisè Aplec Modernista del Sénia. L’edició d’enguany presentava com a principal novetat una valenta trobada biciclista, a banda de l’habitual concentració d’scooters. Com en anys anteriors, els participants van gaudir d’un vermut modernista a la Pepa d’Amposta, més un dinar de germanor a l’esmentada ermita amb l’homenatge pòstum a l’amic i apleguista incondicional Neil Connors i una expo fotogràfica de Marc Goodfellah. A més a més, destacaren les punxades de diversos Dj’s com Moreno Ros, Selectors Blo Youth, Pau Martí, Double Trouble, Xavi Vinaròs, Icar Iranzo, Marc Faith, Jordi Besalduc, Robert Abella i Jordi Vidal. Tot plegat, un èxit rotund de públic i organització a càrrec dels responsables de l'Aplec Modernista del Sénia, els de les 13 Jornades Musicalsde l’Ermita de la Pietat, inclós el personal del servei de restauració, llum i so de l’Ermita.


Expo fotos d'apleguistes. Marc Goodfellah
Pel que fa a la banda madrilenya van obrir el concert amb un  parell d’instrumentals carregats de groove en els que ja manifestaren l’elevada prestància i habilitat dels seus components: des de la consistent secció rítmica de baix i bateria, fins al fonamental paper de l’orgue i la meticulosa guitarra passant per una encertada secció de vent metall amb trompeta i saxo. Pocs moment solistes en pro del so conjunt de banda, recreant línies de funk vibrants i pedals emocionals entre síncopes jazzístiques molt ben mesurades i precises.  

Vista del públic exemplar. Foto: Magic Pop
Tots plegats donaren vida a un ventall d’harmonies sobre les que la seva cantant solista, una inspirada Shirley Davis, treia forces de l’ànima, per conquerir-nos amb unes balades sentimentals d'autèntic manual i unes descàrregues ballables de funk veritablement hipnòtic. Entre els temes que ens van interpretar, a destacar la magnífica “Black Rose” que obre el seu àlbum, del que també ens oferiren “Diemma”, “Two Words” , “Pay your  for Love”, la sensacional “My Universe” (favorita personal) o “Make my Day”, així com el cover del “Deception” de Monophonics, més un bis en el que es van sentir un altre dels seus temes propis “Vanity” y la versió del “It´s my thing" de Marva Whitney.  Un concert fascinant que va anar guanyant empenta a mesura que transcorria gràcies a les ganes del grup disposats a satisfer un públic exemplar que, un cop més, va donar  una lliçó d’hospitalitat amb unes ganes de passar-s’ho bé francament impressionants.        

Trajectoria 

Shirley Davis. Foto: Magic Pop 
Shirley Lorraine Davis va nàixer a Londres l’any 1974, de pares jamaicans, i es casar als 16 anys amb un australià. A Austràlia hi viu  durant més de dues dècades, té una filla i decideix que vol ser cantant.  Va formar part del combo de House Deepface amb Chris Corby i Fran Power amb qui enregistra el disc “Feel The Love” (2006).  Després estigué a diverses bandes com la Deep Street Soul amb els que va enregistrar  singles i un àlbum al 2009 de títol homònim per a  Freestyle  Records. La resta de músics foren Andy Williamson al saxo,  Warren 'Papa J' Hunter i Agostino 'Sol Loco' Soldati a la percussió, Matt Green a la guitarra,  Monique 'Mon Cherie' Boggia al teclats, Peter 'Slips' Slipper al trombó i Greg Ambroisine a la trompeta. 

Shirley Davis and The Silverbacks. Foto: Magic Pop
També va acompanyar Wilson Pickett, formant part com a corista de la banda d’acompanyament amb la Grand Wazoo durant una gira. Fou amiga de la cantant de Kansas, Marva Whitney (n.1944 – d. 2012)  qui la va fer decantar cap al soul i el funk. També li va facilitar una col.laboració amb  la banda japonesa Osaka Monaurail, gravant per al segell alemany  Unique una versió del “No Trouble on the Mountain” (2011) de Richard “Groove” Holmes.  A Austràlia va destacar per temes de deep funk com “Greenbacks”  o “I Wanna Live”, número u a les llistes australianes amb una nominació  a un ARIA (premi al millor  single de Dance a Austràlia). 

Shirley Davis and The Silverbacks. Foto: Magic Pop 
A finals de l’any 2014 Shirley visitava Espanya en ocasió del concert de la seva amiga de Carolina del Sud, Sharon Jones (n.1956 – d. 2016) amb qui va compartir escenari de La Riviera de Madrid.  Després d’aquella actuació, el segell madrileny Tucxone Records  la posa al front de The Silverbacks amb els que enregistra el disc “Black Rose” (2016).  Sota la producció de Alberto "Tuco" Peces, la banda Silvertons que el va gravar estava formada per Diego “Comandante” Miranda al baix, Jorge Suarez "Canario" a la bateria, Edu "Duduman" Martínez a la guitarra,  Lucas "Scientist" Duplá al piano, Rayco Gil a la percussió, Aarón Pozón al saxo, i Javier "Martintxo" Martinez a la trompeta.  Per la seva part, The Silverbacks han enregistrat per al mencionat segell, amb David Hooper (n. Houston, Texas, 1955)  el Lp “It's My Turn” (2015) i un parell de singles amb Lena Kbalo al 2014, així com el tema instrumental benèfic “Elephants Rising” (2015) en favor del projecte cultural Leãozinho (Rio de Janeiro).

Nota: Pots escoltar les cançons al bandcamp

sábado, 15 de julio de 2017

Fallece Pepa Villalba de los Vídeo

Pepa Villalba Payá  ha fallecido a los 54 años de edad. Nos deja una de las voces más emblemáticas de los ochenta. Formó parte como cantante solista del grupo valenciano de pop,  Vídeo. La banda se creó en 1981 entre el Vedat de Torrent y Valencia capital con componentes de la banda de folk-pop Albatros. El resto de la formación era José Manuel Moles (guitarra), Vicente Chust (guitarra y voz) y Carlos Solís (bajo y voz), más Sissi (teclados y coros), y Puchi Balanzá (batería). 

Tras varias maquetas, editan en 1983 con Zafiro un single con su famoso éxito "La noche no es para mí" y "Fría y automática". La primera llega a lo más alto de las listas con videoclip incluido.  El segundo sencillo contiene "Víctimas del desamor" y  "Empieza la subida". Le sigue un Lp titulado "Videoterapia"  (Zafiro 1983), producido por Tino Casal, llegando a disco de oro. Uno de sus temas  "No puedo estar así" se incluye en la película "A tope" de Tito Fernández.

Ya en 1984 abandona José Manuel Moles antes de sacar su segundo disco. Moles ha destacado durante su larga trayectoria como productor, compositor y músico colaborando con otras bandas como Manía, Mamá ya lo sabe, Armas Blancas o Doble o Nada, o formando parte de Albatros, Los Inhumanos, en el que estuvo también Puchi Balanzá, Los Hits, Havana, Viva Zapata o Tábata Ley, entre otros.

El segundo disco, convertidos en quinteto, se titula "Código secreto", también producido por Tino Casal. Sacan como sencillos "Planeta 5000" (Zafiro, 1984) y "La Ventana" (Zafiro, 1984).Dos años después sacan su tercer trabajo, “Relatos de diez mundos" (1986) producido por Luis Fernández Soria. El baterista Puchi Balanzá  es sustituido por José Payá, de Glamour.  Vicente Chust se suma a la voz solista con Pepa. Se editan los sencillos "Mucha Palabra, Poca Acción / Límite" (Zafiro, 1986) y "Sueños Mágicos, Sueños de Amor" (Zafiro, 1986). En 1989 con nueva discográfica, Producciones Twins,  sacan su último trabajo "Una brisa de amor" con producción de Joaquín Torres, de Los Pasos. Sissi había sido substituida por José Soriano.  Al año siguiente se separan con un último concierto el 30 de diciembre de 1989.  Años después, vuelven convertidos en trío con una nueva cantante Nita  y un nuevo disco: "Dosmilonce" (2011  Synth Pop Spain Records de Turia Records).


Pepa colaboró en los coros en el disco de Paco Sanz “El Club De Los Locos...” (Car-Crash Records 1992) y con las grabaciones a mediados de los noventa de P.C.A Problems de Jorge Pruess Santos y Juan Carlos Cantal Mínguez. 

Documento sonoro: 

Vídeo y su conocido "La noche no es para mi". 



viernes, 14 de julio de 2017

Muere Pede Marshall de The Choice Four

The Choice Four. Pete segundo por la derecha.  
El 13 de Julio de 2017 fallecía Pede “Pete” Marshall de The Choice Four, banda vocal de soul formada en los setenta en Washington DC.  El resto de componentes fueron Bobby Hamilton, Ted Maduro, y Charles Blagmon, aka "Blackmon".  Tuvieron grandes éxitos como “Come Down To Earth” o “Hook It Up”.  Varios de los miembros del grupo habían cantado previamente en The Love Tones y The Stridels. 

The Choice Four fueron uno de las bandas vocales de soul  más consistentes de los setenta,  producidos por Van McCoy.  Se formaron en Washington, D.C., y grabaron para RCA Records  tres álbumes: “The Finger Pointers” (1974), “The Choice Four” (1975), “On Top of Clear” (1976). Varios de los miembros del grupo habían cantado previamente en The Love Tones y The Stridels. 

Tuvieron varios éxitos menores en las listas de mediados de los años setenta.  Su intento de triunfar con una versión de "When You're Young And In Love"  topó con otra de Ralph Carter (del "Good Times" TV show). Su mayor éxito "Come Down To Earth" se convirtió en un gran éxito en las discotecas cuando ya se habían separado.   También grabaron una version del éxito de David Ruffin, "Walk Away From Love" (producido por McCoy). Pede "Pete" Marshall y Charles Blagmon estuvieorn en las bandas que surgieron tras la disolucsiçon de los Temptations.  Marshall formó parte de The Temptations Review feat. Dennis Edwards. También grabó algunos trabajos en solitario con canciones como "What's In It For Me".
Documento sonoro:

“On Top of Clear” (1976) de los Choice Four. 

jueves, 13 de julio de 2017

Muere Chris Wong Won de 2 Live Crew

Chris Wong Won 
Christopher “Chris” Wong Won nació en Port of Spain, Trinidad y Tobago el 29 de mayo de 1964 y falleció en Miami (Florida) el 13 de julio de 2017. Más conocido como "Fresh Kid Ice" a.k.a "The Chinaman" (por sus rasgos asiáticos), fue  fundador del grupo de hip hop  2 Live Crew  con DJ Mr. Mixx, y Amazing Vee. Triunfaron por temas como "Revelation" en 1985, que obtuvo mucho éxito en Miami, y "What I Like" o el disco “As Nasty As They Wanna Be” por el que fueron juzgados y absueltos por obscenidad.  Chris publicaría  álbumes en solitario, el primero “The Chinaman” (1992) y el último, doce años después, “Freaky Chinese” (2004).

Su familia es de ascendencia trinitense y china. A la edad de 12 años se mudó de Trinidad y Tobago a Brooklyn, Nueva York. En 1982 se graduó en la Samuel J. Tilden High School, y ese verano se unió a la Fuerza Aérea de los EE.UU. por un período de cuatro años.  Mientras estuvo  en la base de la fuerza aérea en Riverside, California, en 1984, encontró a sus compañeros Amazing Vee y Sr. Mixx con los que formaría el grupo del rap 2 Live Crew.

Chris Wong Won 
The 2 Live Crew, aunque fue considerado como un grupo principal en la escena hip-hop de Miami, realmente se inició en California y fue creado por el DJ Mr. Mixx (David Hobbs) junto a a Fresh Kid Ice (Chris Wong Won) y Amazing Vee (Yuri Vielot). El grupo lanzó su primer single, "Revelation", en 1985. "Revelation" fue muy popular en Florida, así que The 2 Live Crew se trasladó a Miami sin Yuri. Brother Marquis (Mark Ross) se unió a The 2 Live Crew para su próximo single "What I Like".  Luke Skyywalker (Luther Campbell) ofreció a The 2 Live Crew un contrato discográfico y trabajó como manager del grupo y también como vocalista.

Debutaron con el disco “The 2 Live Crew Is What We Are” (1986) al que siguió “Move Somethin” (1988)  y “As Nasty As They Wanna Be” (1989).  Este último disco les llevó hasta los tribunals por obscenidad. Se enfrentaban a una pena máxima de un año de cárcel y multas de 1.000 dólares si hubieran sido declarados culpables. La clasificación penal de obscenidad en Estados Unidos no llega a la categoría de delito y se considera como falta.  Fueron detenidos por la policía después de haber actuado en un cabaré en Hollywood, cerca de Fort Lauderdale, una de las muchas playas de Florida, cuatro días después de que el juez federal dictaminara que “As nasty as they wanna be" (Tan perversos como quieran ser) era obsceno. El jurado  pronunció un veredicto unánime de inocencia.

Siguieron sacando varios discos durante los noventa como “Shake a Lil' Somethin'” (1996) o   “The Real One” (1998), octavo álbum y último.  Se sucederían los cambios de formación  y en mayo de 2016 el Sr. Mixx se reincorporó al grupo y Fresh Kid Ice dejó el grupo para relanzar Chinaman Records.


“The  Chinaman” (1992) fue el primer álbum en solitario de Fresh Kid Ice. Fue lanzado por Effect Records, una división de Luke Records.  El álbum es conocido por ser el primer álbum de Hip Hop que tiene influencia asiática.  Canciones como "Long Dick Chinese", son declaraciones de identidad propia para reivindicar el orgullo de la procedencia china. Le siguió el disco “Still Nasty” (2000), “Stop-Playin” (2003) y “Freaky Chinese” (2004).  

Documento sonoro:

2 Live Crew y "Get It Girl". 





Levantamos el vuelo emocional con la convincente "Llamada del Oso" de los Ídolos del Extrarradio

Portada
Nadie hace nada igual, ni siquiera parecido. Cada disco de los Ídolos del Extrarradio es un compendio visceral de música y lírica al margen de todo, y éste nuevo, más aún si cabe. Sus canciones se me antojan la voz del subconsciente de cualquier ser que tenga alguna inquietud existencial. Su música se sustenta con letras profundas cantadas magistralmente, a voz en grito, con acompañamiento de guitarras corrosivas, más una sección rítmica de lacerante bajo y obsesiva batería. Juntos, juegan con tu mente, dispuestos a contagiarte esa intranquilidad del absurdo vital. Una fuerza propia que mana con conocimiento de causa y esa naturalidad con la que queman el entorno cotidiano mediante un fuego interior que prende con chispazos de fuzz.  Su nuevo trabajo lleva por título genérico “La Llamada del Oso” y ha sido editado este 2017 por la banda con la colaboración de Folc records, Producciones Tudancas y In my heart empire records. Cae el imperio de lo absurdo, y esa llamada desde lo más profundo del bosque, te invita a transitar por un nuevo camino, con una nueva visión, la de este poderoso combo de after punk que bombardea tus convicciones desde el extrarradio con una fiereza inusitada.  

Trayectoria 

Los Ídolos del Extrarradio
Los Ídolos del Extrarradio son actualmente un trío formado por Alex Pis, voz y bajo; Fuzzio a la guitarra; y Gutxi a la batería, tras dejarles en 2016 el guitarrista Raúl por cuestiones personales. Alex Pis dirige los estudios Drive Division y tiene otro poryecto llamado The Drive, un dúo con Miguela Sainz de Lupers.

Se formaron en 2005 con músicos procedentes de la escena punk rock de Santander. Al año siguiente grabaron sus primeras maquetas y en 2007 editaron su primer álbum titulado “Quién necesita amor teniendo una pistola” con la discográfica Oídos sordos. Este primer trabajo contenía 13 canciones con detalles bien audibles tanto de punk y postpunk, como de new wave. Ese disco, grabado en sus habituales estudios de Drive Division, obtuvo muy buenas críticas y lo presentaron con una extensa gira. En 2008 compusieron nuevos temas. En los mismos estudios, dan forma a 13 nuevas canciones, quizá un tanto más postpunk y con un pop oscuro como denominador común. A mediados de 2009 editan su segundo trabajo titulado: “El depresivo cuadro de los Chicos Eléctricos” con el que vuelven a la carretera hasta la primavera de 2010 que entran de nuevo en los estudios mencionados para grabar el Ep “Guerras Bipolares”, su primer vinilo. Editado por Discos de Extrarradio y Producciones Intrankil·les en 2011, al tema que le da nombre le acompañan otros tres más que son “Hasta Siempre Mr. Nouta” en la Cara A, más “Grecia” y “Cristina escupió al Cielo” en la B. Puedes leer una reseña de este disco en el Magic Pop aquí.

detalle del 12"
En 2012 Alex Pis graba, mezcla y masteriza en su estudio Drive Division su siguiente entrega, un Lp split con los también santanderinos Sierra Nevada.  Editado por In my Heart Empire y Big Jim Records, el diseño corre a cargo de Juan Arredondo con fotografías del archivo de la Nasa.  Los ídolos del Extrarradio aportan los temas “Jamás pienso frenar”, “Peón Vs. Alfil”, “Cagar y volver”, “Magia Cutre”  y “Caprichos de un Perdedor” en el que han contado con la colaboración del mencionado Juan Arredondo a las voces y Andrea Cabello al violonchelo. Ya en 2014, los Ídolos del Extrarradio sacan un mini-Lp con el título de “Vorágine” (In my Heart Empire-Ídolos del Extrarradio) con otras siete brillantes canciones. Más información de esos discos en este mismo Magic Pop. En 2016 su guitarrista Raúl dejaba el proyecto por cuestiones familiares y laborales. 

"La Llamada del oso" fue grabado, mesclado y masterizado en Drive Division potr Alex Pis en octubre de 2016. El magnífico diseño con esa turbadora portada y contraportada es de Mutta Estudio.  

Las canciones 

Ídolols del Extrarradio
El tema que le da nombre genérico, la “Llamada del Oso”, es el título del primer corte del álbum. Abre el disco con esas guitarras cortantes para que “se callen los niños, que nos dejen en paz, el imperio se ha caído… los gritos al compás”. Lujuria poética y musical mediante unos arreglos de hard after punk descomunales, interpretados por una sección rítmica potente más una voz gritando, con tremendo poderío, para resolver el teorema de “cuatro paredes sin poderse tapiar”. Le sigue  “Cobarde, cobarde”, otra genialidad en la que se suman lo visceral a la crítica existencial para denunciar “las mismas caras, los mismos gestos, casas, plantas, tiestos, locos, dueños, frases… aburrimiento. Las mismas fiestas en tu cerebro… el mismo sueño, feo y negro… un pueblo ciego”. Rítmica aguerrida a base de batería y bajo que nos acongoja con una frecuencia irrefrenable más esas guitarras disparando acordes desgarrados dando cobertura a la sensacional voz principal.   

A continuación nos ofrecen “Cosas de Críos” que se construye con un muro de guitarra con sección rítmica reflexionando sobre el inexorable paso del tiempo: “el paso de los días nos ha cambiado… mi infancia es este cuerpo que se está desgastando por dentro y por fuera, dame droga que genere otro caos…”. Perdimos la cuenta pero quedan apuntados los bellos orgasmos, los mordiscos, los escupitajos, pasarme encerrado en un local, de fiesta… sin que nadie me atragante la ingesta. Guitarras cortantes con persistente bajo y batería nos procuran momentos eléctricos que invitan al baile entre reflexiones vitales: “Yo no aguanto esta mierda, que explosione el planeta o que dé marcha atrás…” 

Ídolos del Extrarradio
Con “España”, el trío descarga un furibundo y oscuro mensaje “huyendo de las luces y las sombras”, con ciertos aires latinos. Nos cuentan:  “España se hunde en un charco de mierda, seguimos en estado de fiesta, se quema y no me da pena”. Ritmos tenaces, guitarras combativas y esa voz compenetrada a la perfección crean tensiones musicales y poéticas que ponen los pelos de punta.      
“Sangre de Obrero” cierra la cara A. Empieza y termina con un tempo pausado y obsesivo en el que se enredan los arreglos con una sobriedad fascinante para acotar un cautivador ritmo de bajo más batería con guitarra ácida más esa soberbia voz que nos cuenta: “maldita la gracia que le hizo a tu abuelo ir a pegar cuatro tiros a aquel agujero y luego rezar por ser solo un preso”. La miseria y el miedo ponen punto final… “has traicionado a los tuyos por ser como ellos…caminamos juntos hacia el infierno…vivir mudo, morir lento”.     

 “Purga en el Parque” encabeza la  cara B.  Se trata de otra canción que desprende una rabia afilada:  “ya no queremos tu pasta, hemos venido a matarte, hemos raptado a tus hijos… quita esa cara de ingenio”. Una purga de guitarra, bajo y batería que nos conquistan desde el primer compás ya sea respaldando a la voz principal como ofreciéndonos momentos instrumentales altamente seductores. Mediante “Extrarradio” aplican a su cosmología, detalles de hardcore oscuro con ritmo acelerado y fuzz agresivo con cortes rítmicos y andanadas salvajes que te acelerarán el corazón. “Hemos tomado una dirección, antes muertos que un chiste sin gracia…de todos esos que quieren vernos muertos, siempre hay un imbécil que pide redención”.  Le sucede “No Habrá Piedad”, canción enigmática, con esa combinación de post punk ácido a base de guitarras oscuras y ritmos penetrantes que se aceleran para dicernos “que no habrá piedad, solo fuego, con los nuestros”. “Con la humillación controlada, un nuevo orden nos abraza” en esta exhibición de recursos aprehendidos y dispuestos para conformar el fascinante microuniverso de nuestros Idolos del Extrarradio.        

Alex Pis
Llegamos a “Nuestro Hogar”, otro sensacional tema en el que se nos presentan “grandes…si hoy nos dejan respirar”, dispuestos a luchar con éxito en ese combate que todo artista libra para definir temas propios memorables en los que emergen múltiples excelencias, desde el sonido a los arreglos perfilados con sabio enfado “emancipado…sin normas que acatar” mientras “entre el centeno brotan las viejas ideas, sangre por sangre y el dolor que eso conlleva”.  Respiran con una entrega desbordante que nos lleva a esos “Culos Sangrantes” donde inciden en su vertiente más oscura con entrada de batería más bajo y guitarras espeluznantes ante “un Dios que se mofa de esta situación de horror”.  Un “cuento feo” y “una maldita obsesión” con momentos instrumentales geniales que se apropian de los sentidos, con silencios siniestros y crescendos espectaculares con versos sensacionales como “Todo está muerto y el amor está acabado, tu pintas de rosa la mierda que hemos cagado”. Finaliza el disco con “Esgrima”, la última de las excelencias de este disco en la que la banda aporta punteos mordaces mientras la magnífica voz empieza diciendo: “estoy desesperado, lo siento si estoy falto de fluidez. Debería estar borracho… o anclado en este sueño convertido en pesadilla… ideando algunos planes que nos saquen de este entierro de cal viva. Desearía hacer esgrima en la cara de jefe. Ser indestructibles, y librarnos de estas heces que se conocen como gente, crean seres deprimentes, tan impertinentes como yo”.  Entre golpes rítmicos, “esa metralla que nos salpica”, más un lisérgico solo de guitarra que protagoniza la parte final ayudado por un bajo profundo, nos ofrecen  versos tan  conmovedores como “ya nos somos tu negocio, siento tener que decir esto: hacen falta ricos muertos para levantar el vuelo Emocional!!!”. 

Reflexión final  

Ídolols del Extrarradio
El nuevo disco de los Idolos del Extrarradio implica una evolución clara y contundente con respecto a sus anteriores trabajos discográficos. No solo han logrado definir, con una brillantez inusitada, unos cuantos pasos más allá de todo lo conocido hasta el momento dentro de la órbita siniestra del llamado after punk, sino que incluso han sido muy capaces de perfilar, al mínimo detalle, unas canciones propias altamente viscerales, penetrantes y solemnes, si se me permite tan imponente adjetivo.  Una fascinante obra definida también con versos punzantes, dando muestras de un dominio poético de las ideas, desde las más íntimas a las más belicosas. Una poesía manifestada con las palabras más apropiadas dentro de un juego inmejorable que les distingue como únicos mediante ese el dominio de los parámetros, tan  oscuros como afilados, del rock and roll más salvaje. Los arreglos tienen una carga emocional desbordante, el sonido es perfecto, y las interpretaciones de sus tres músicos, incluidas las solistas, se entienden en toda su magnitud si se las escucha como parte indisoluble de la combinación de recursos. De este modo consiguen dar forma a una atmósfera genérica que puede resultar asfixiante como la vida pero no está exenta de esperanza como los sueños; que emerge hiriente del extrarradio para perforar la mediocridad del centro de todo conformismo, incluido el underground.  “La Llamada del oso” es un grito de supervivencia, de hastío pero también de venganza, de lucha por uno mismo, por ese crío que siempre se es, que sangra pero intenta, una vez más, que las ilusiones, al menos las emocionales, se hagan realidad en este mundo cotidiano aunque sea una mierda con la que no tenengamos nada que ver.      

Nota: Puedes comprar el disco en el bandcamp del grupo o en el de Folc Records

Por último te invitamos a ver el vídeo que hicieron del tema que da título al álbum, realizado por Alex Pis.